Crítica (non)sense da 7Arte

O desejo irrefreável de acreditar que os acontecimentos ocorrem por uma razão e de que cada um de nós tem um espaço definido no mundo. Tal desejo é a espinha dorsal do filme The Great Buck Howard. Esta produção, encabeçada por nomes como John Malkovich e Tom Hanks (que, na verdade, faz apenas uma ponta no filme), também se debruça sobre o “showbusiness” e sobre o tema dos “artistas marginais”. Ainda assim, meus caros leitores, não se enganem: The Great Buck Howard segue a linha de produções que tentam ser mais do que realmente são. Bastante lento, previsível e sem muitos atrativos além de Malkovich, este é um filme que acaba dando sono. E preguiça (até para escrever sobre ele). Claro que se ele for espremido, até solta algum suco interessante. Mas como entretenimento, The Great Buck Howard é muito fraquinho.

A HISTÓRIA: Os três primeiros minutos do filme contam, de forma acelerada, como Troy Gable (Colin Hanks) resolveu dar uma reviravolta em sua vida. Deixando para trás tudo o que seu pai (Tom Hanks) tinha planejado para ele, Troy abandona a faculdade de Direito depois de dois anos e resolve não fazer nada. Pelo menos até que ele encontre a sua verdadeira vocação – começando com a tentativa de ser escritor. Mas como o dever das contas chama, Troy se aventura a buscar um emprego. Lendo os classificados do jornal ele decide trabalhar como assistente pessoal e coordenador de turnês do “famoso” Buck Howard (John Malkovich) – alguém de quem ele nunca tinha ouvido falar. A partir daí, acompanhamos as aventuras de Troy e de Buck Howard em uma turnê pelo interior dos Estados Unidos e pela busca do artista em voltar a ter destaque na mídia nacional.

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso recomendo que só continue a ler quem já assistiu a The Great Buck Howard): O começo do filme, ainda que nada inovador, parece promissor. Uma boa edição e a escolha acertada das imagens nos leva a crer que veremos um filme criativo pela frente. Ledo engano. Para começar, pelo ritmo que o filme escrito e dirigido por Sean McGinly toma depois, não entendo o porque de tanta aceleração narrativa naqueles 3 minutos de largada. A história chega a ter nuances tediosos lá pelas tantas… assim sendo, aquela introdução sobre a vida e as intenções do protagonista poderia ter sido um pouquinho mais extensa. Se isso fosse feito, pelo menos não correríamos o risco de achar que o resto do filme seguiria a mesma linha de edição criativa e narrativa acelerada – o que não ocorre, está claro.

Comentada essa diferença brutal entre o que o filme “sugere” nos minutos iniciais e o que ele nos apresenta no restante de seu tempo, vamos ao que interessa: o que The Great Buck Howard quer nos dizer. Para começar, se fôssemos buscar uma “moral da história”, ela nos falaria sobre a necessidade de corrermos atrás dos nossos sonhos, sobre a magia que a vida deveria ter e sobre como podemos aprender com os exemplos de vida mais inusitados/pouco valorizados. Certo, todas estas mensagens são bacanas e necessárias. O problema é que McGinly erra a mão na forma – e não no conteúdo. Assim sendo, além de nos apresentar um filme bastante arrastado e lento, em muitos momentos, o diretor e roteirista tenta nos convencer de uma história bastante surreal, pouco engraçada (sendo que a produção é classificada como comédia) e que emociona mais pelo uso da trilha sonora no final do que por outros recursos.

Sem contar o uso dos estereótipos como principal recurso para dar “profundidade” (leia-se isso com ironia) para os personagens do filme. Vejamos: Troy é o típico rapaz boa-praça que, sem ter muito rumo na vida, decide acompanhar um artista cheio de manias e gênio “complicado” como forma de se inspirar para seu sonhado trabalho como escritor. Ao ler os créditos do filme é que me dei conta de que Colin Hanks não apenas tentava seguir os passos do “eternamente boa-praça” Tom Hanks… sendo filho do astro de Forrest Gump, entende-se como ele se parece tanto com o pai (nos trejeitos e na aparência física). Sendo assim, fica evidente a “forçada de barra” para que um cara um tanto sem graça como Troy consiga “se dar bem” com a única mulher bonita da história, Valerie Brennan (Emily Blunt). (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Vamos combinar que nunca, na vida real, um “casinho” de final de semana de turnê no interior dos Estados Unidos entre um cara como Troy e uma garota como Valerie seria levado a sério depois, quando os dois se encontrassem em Los Angeles. Apenas nos filmes do(s) senhor(es) Hanks.

Seguindo com os estereótipos: o artista tão admirado pelas pessoas simples do interior dos Estados Unidos, que ainda guardam na memória suas antigas aparições na tevê, tem que ser um purgante instável, cheio de altos e baixos, muquirana, “duas-caras” (uma para o público, outra para a intimidade) e com um certo problema em “ver a realidade”. Seu empresário, que lhe acompanha há muitos anos, Gil Bellamy (Ricky Jay) é o típico cara que sabe que seu artista está “por baixo”, que não interessa a mais ninguém da mídia, na mesma medida em que tem a noção de que não deve jamais falar sobre isso com ele. Gil não investe mais na carreira de Buck porque sabe que não há muito que fazer com um artista que parece ter “parado no tempo”.

Mr. Gable, o pai de Troy, veste a roupa do “homem de família” que desaprova qualquer manobra do filho por terrenos perigosos – como é o caso de empregos que não tenham um cartão-ponto para ser batido no final do expediente. E Valerie é a típica “mulher moderna” que trabalha em um ambiente competitivo, dominado por homens, que bebe sempre que não está trabalhando, vive sua “liberdade sexual”… em outras palavras: parece imitar os passos de seus “competidores” masculinos. Fora estes personagens principais, temos a Doreen (Debra Monk) e seu irmão Kenny (Steve Zahn), mais dois estereótipos do que seriam as pessoas “do interior” dos Estados Unidos – neste caso, de Cincinnati. Doreen e Kenny são dois interioranos loucos para estar perto do “astro” que saiu na tevê e, no caso de Debra Monk, a atriz ainda explora o estereótipo da mulher que jura (e quer demonstrar) que tem talento artístico. Certo que os estereótipos normalmente trabalham com idéias reais, mas o problema quando um filme se limita apenas a eles é que tudo fica mais pobre de sentido e significado – sem contar que tais idéias, que não são as únicas da realidade, se tornam ainda mais reforçadas.

Mas para não dizer que tudo em The Great Buck Howard se resume a problemas, a reflexão e a ironia do filme em relação ao showbusiness é algo interessante. A necessidade de Buck em seguir o seu trabalho e sua preocupação em voltar a sair na mídia são aspectos realistas da vida de artistas que não aparece muito nos filmes. Acompanhamos apenas o resultado do trabalho de assessores de imprensa, empresários e especialistas em marketing através da mídia, mas ficamos sabendo pouco sobre a luta das personalidades que não conseguem esse espaço.

(SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Achei especialmente interessante o momento em que Buck Howard deixa de ser um “artista decadente” para ser o novo “queridinho da América”. O que muitos artistas não percebem – e digo isso porque estive “do outro lado” da questão, trabalhando na mídia – é que ninguém aparece sem ter uma novidade para contar. Howard passou grande parte de sua carreira fazendo o mesmo show, sem nenhuma mudança ou inovação. Como ele esperava ser convidado para os principais programas da televisão sem ter nada de novo para contar? Sem nenhum “interesse” por parte do público, que cada vez mais tem uma nova celebridade para acompanhar, Howard não conseguiu ressurgir mesmo quando fez um número novo e excepcional. Mas ao entrar em colapso, virou notícia na “sociedade do espetáculo”. E como um canal de televisão puxa ao outro, o artista virou a “nova antiga celebridade” do momento. Interessante reflexão.

Também achei interessante a homenagem do diretor e roteirista para os artistas que buscam colocar um pouco de “magia” e mistério na vida de seu público. Nos créditos finais de The Great Buck Howard, McGinly cita nominalmente a O Incrível Kreskin, autoproclamado o “mais conhecido mentalista” do mundo. Bonito. Kreskin, nascido nos Estados Unidos em 1935, se tornou muito popular através de um programa na TV norte-americana na década de 1970. Também interessante a idéia mantida pelo filme de que os artistas que fazem essa “magia” continuar maravilhando ao público não são aqueles que aparecem constantemente nos programas de Conan O’Brien, Regis Philbin, Jon e Martha Stewart ou Jay Leno. E sim os que percorrem quase anonimamente as cidades de todo um país, algumas vezes se apresentando para um grande público, outras vezes, para poucas pessoas. Esta homenagem vale o filme, assim como a interpretação normalmente magnética e excepcional de John Malkovich.

NOTA: 7.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: Os créditos deste filme são gigantescos. Além dos atores e das personalidades da tevê citadas anteriormente, há muitos outros na lista. Como The Great Buck Howard é praticamente um “road movie” artístico, ele está cheio de coadjuvantes e de pequenas pontas. Além dos atores já citados, queria comentar sobre a participação de Adam Scott como Alan, o assistente de Buck Howard antes de Troy; Patrick Fischler como Michael Perry, um dos empresários de Las Vegas interessado no show do artista; Don Most como o produtor do programa Tonight Show; e Griffin Dunne como Jonathan Finerman, um conceituado roteirista e apresentador de tevê. Menção especial para a divertida aparição do ator George Takei, conhecido pelo personagem de Sulu em Star Trek e, recentemente pela série Heroes, na história.

Gostei bastante da trilha sonora de Blake Neely. Ela acaba sendo fundamental para conduzir o filme, especialmente nos momentos em que o roteiro e até os atores parecem um tanto incapazes de dar a devida “emoção” para a história. O trabalho de Neely acaba fazendo isso por eles – inclusive no “grand finale”. Também achei interessante a apresentação do Clap Your Hands Say Yeah (aqui a página deles no MySpace) no filme. Ficou bacana – e reforçou a idéia de “artistas que se apresentam em qualquer lugar por amor à arte”. Na parte técnica, gostei ainda dos trabalhos do diretor de fotografia Tak Fujimoto e da edição de Myron I. Kerstein.

Como a história mesmo sugere, The Great Buck Howard foi filmado nas cidades de Los Angeles, Nova York e Las Vegas.

O quinto filme no currículo do diretor Sean McGinly estreou em janeiro de 2008 no Festival de Sundance. De lá para cá, ele participou de outros dois festivais e estrou, de maneira limitada, nos cinemas dos Estados Unidos em março de 2009. Sua carreira, pelo visto, ficará mais restrita ao mercado do DVD. A bilheteria do filme comprova as apostas baixas que ele recebeu: nos Estados Unidos, até o início de julho, ele tinha arrecadado pouco mais de US$ 748 mil – nada para os padrões de Hollywood.

Os usuários do site IMDb conferiram a nota 7 para o filme – nota essa com a qual eu estou de acordo, ainda que, admito, fiquei entre as notas de 6,5 e 7,5 na cabeça desde que os créditos terminaram. Por sua vez, os críticos que tem textos linkados no Rotten Tomatoes foram um pouco mais generosos com a produção. Eles dedicaram 63 críticas positivas e 24 negativas para The Great Buck Howard, o que lhe garante uma aprovação de 72% – bastante boa para a média do site.

Ah sim, e o papai do protagonista, Tom Hanks, foi tão bacana que, além de fazer uma ponta importante no filme, ainda ajudou a produzí-lo. Isso que se pode chamar de “empurrãozinho” para a carreira do filhão, hein?

CONCLUSÃO: Uma comédia que aposta mais no talento de John Malkovich do que em um roteiro engraçado ou envolvente. Cheio de “boas intenções”, este filme peca por uma introdução totalmente descolada do restante da narrativa – o que cria falsas expectativas. Se visto com paciência, pode agradar aos que buscam histórias “bonitinhas” e sem muita criatividade. Além de um John Malkovich se “sentindo em casa” em mais um papel de “sujeito estranho” que parece viver sobre os “próprios louros”, o filme vale pela trilha sonora fundamental, que dá o tom dramático e envolvente para o filme que a direção e o roteiro não conseguem garantir. O filme deve valer a pena como curiosidade sobre os bastidores do showbusiness e se for encarado como um conto a respeito da busca pelo próprio talento. Mas isso vai depender do gosto – e do tempo – de cada um.

Imagine uma família de gente ferrada, o que nos Estados Unidos se popularizou como “losers”. A cada novo acontecimento, parece que as coisas se complicam, mas isso não deixa nenhum deles deprimido ou derrotado. Pelo contrário. As dificuldades acabam sendo encaradas com criatividade, ousadia e com um bocado de tropeços que parecem unir ainda mais as pessoas dessa família. Sunshine Cleaning, novo filme dos produtores do sucesso do cinema independente Litte Miss Sunshine, repete um bocado a fórmula do título anterior. Mas quem se importa? Descontadas as repetições de algumas idéias, Sunshine Cleaning acaba se mostrando mais denso e mais “dark” que seu predecessor. E ainda que ele lembre bastante a Little Miss Sunshine, quero deixar claro que não se trata de nenhuma continuação ou algo do gênero.

A HISTÓRIA: Rose Lorkowski (Amy Adams) é uma mãe solteira que ganha a vida limpando casas. Ela olha para garotas da sua idade curtindo festas e vivendo em grandes propriedades com piscina e pergunta a si mesma o que ela fez de errado para ter uma vida tão diferente. Sua irmã mais nova, Norah (Emily Blunt) vive com o pai, Joe (Alan Arkin) e trabalha como garçonete – mas odeia o que faz. Quando o filho de Rose, Oscar (Jason Spevack), tem mais um problema de comportamento na escola pública em que estuda, Rose resolve tirá-lo de lá. Para pagar as contas de uma escola particular ela convoca a irmã, que recentemente perdeu o emprego, para que as duas comecem a trabalhar no ramo de limpar propriedades onde pessoas foram encontradas mortas.

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso recomendo que só continue a ler quem já assistiu a Sunshine Cleaning): Logo mais vou listar todas as características que fazem Sunshine Cleaning se parecer com Litte Miss Sunshine (que chamarei pelas iniciais LMS). Mas antes, quero comentar sobre seus diferenciais. Para começar, Sunshine Cleaning vai muito mais fundo no tema da morte. No aspecto em que o trabalho das irmãs Rose e Norah é visto por elas com certa “vergonha” e receio no início, o filme me lembrou um pouco a Okuribito. Mas pouco, claro, porque a produção japonesa que ganhou o Oscar de 2009 como melhor filme estrangeiro é muito mais profunda e poética que Sunshine Cleaning. Ainda assim, a produção com roteiro de Megan Holley se debruça sobre o tema da perda de pessoas que amamos de maneira interessante.

Demora, contudo, para que o tema da morte ganhe protagonismo no filme. Inicialmente, esta história parece tratar das relações de uma família bem diferente dos padrões tradicionais. E da maneira com que cada um dos adultos desta família enfrenta as dificuldades para conseguir dinheiro para pagar as contas. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Diferente de LMS, os protagonistas desta história fogem do padrão de avô, pai, mãe e filhos. Joe, o patriarca da família, é viúvo. Rose é mãe solteira, nunca se casou, e vive uma relação adúltera há muito tempo com o ex-namorado, Marc (Steve Zahn). Norah é solteira e ainda vive com o pai. Em momento algum o filme mostra uma “família feliz” tradicional – o único casal que aparece em cena, Marc e Heather (Amy Redford), vive uma relação abalada pela infidelidade.

Outra característica que distancia Sunshine Cleaning de LMS é que o filme tem um roteiro bem mais “pesado” que a produção de 2006. (SPOILER – você já sabe). Para dar a largada, o filme começa com um suicídio. Pouco depois, as imagens mostram a vida dura e frustrada das irmãs Rose e Norah. A diferença principal entre elas é que Rose se sente responsável pela irmã e, claro, pelo filho. A personagem de Amy Adams literalmente faz o que é necessário para que ela e Oscar vivam razoavelmente bem – endividados, mas pelo menos com comida no prato. Norah, por outro lado, tenta fazer as pazes com o passado e descobrir o que ela vai fazer da vida. Busca fazer o certo, como quando se aproxima de Lynn (Mary Lynn Rajskub) para contar-lhe sobre a morte da mãe. Na trajetória destas irmãs e do pai delas, vemos cenas de adultério, ralação, alguns cenários de morte, decepções amorosas e financeiras. Sem dúvida um roteiro muito mais denso do que o de LMS.

Agora, vamos falar sobre as várias características que fazem Sunshine Cleaning ser bem parecido com Little Miss Sunshine:

1) Um personagem fundamental do filme é uma criança “esquisita”, destas que parecem não se encaixar em turminha alguma da escola porque tem um comportamento fora dos padrões. Em LMS tínhamos a uma garotinha, brilhantemente interpretada por Abigail Breslin. Em Sunshine Cleaning o papel de “criança esquisita” é personificado por Jason Spevack, um garoto que faz muito bem o seu papel – a sequência em que ele fica sob os cuidados do vendedor de loja de produtos químicos Winston (Clifton Collins Jr.) e aquela outra em que ele tenta um contato “com os Céus” são dois momentos marcantes da história. A grande diferença entre os dois filmes é que em LMS a menina tinha um papel muito mais importante na história do que o desempenhado por Spevack em Sunshine Cleaning – ainda que ambos, indiretamente, desempenham o papel de estopim para as mudanças na vida dos personagens retratados;

2) A tal criança “esquisita” tem como principal aliado o avô – interpretado, nos dois filmes, por Alan Arkin. Até o fato do patriarca das famílias ter o mesmo intérprete torna ainda mais inevitável fazer a relação das duas produções. Mas, claro, os personagens vividos por Arkin são um bocado diferentes – e tem um final distinto também;

3) Nos dois filmes os personagens centrais da história estão tentando encontrar o seu lugar “ao sol” ou, de outra forma, tentando se encaixar em alguma parte da sociedade moderna – que vende a idéia de ser bastante variada e receptiva, mas que normalmente quer mesmo que seus padrões aceitáveis sejam repetidos e mantidos incólumes;

4) As duas produções utilizam a palavra Sunshine – sempre ligada a esperança e/ou ao afeto – no título.

Para o deleite de quem gosta de boas atuações, Amy Adams dá um show no papel da mãe solteira bastante alternativa que não sabe muito bem como lidar com seus problemas. Repetindo mantras de “auto-ajuda” colados no espelho, ela tenta ser sempre a “garota cheia de esperança” da história. Ao seu lado, como o contraponto da balança, ela tem a sorte de ter a Emily Blunt, sua parceira ideal de cena. Blunt desempenha o papel “dark” da história acertando em sua interpretação por pouco – até porque ela tem um risco muito maior de parecer exagerada do que Adams. Mas ela se sai bem. O curioso é que todas as pessoas da família Lorkowski são do tipo “underground”, o que reforça a idéia de LMS de que não é preciso seguir os padrões para ser feliz ou, no caso de Sunshine Cleaning, buscar um sentido um pouco maior para as vidas das pessoas que não são conhecidas como “os vencedores”.

Muito bonitos, em especial, os momentos em que as irmãs Rose e Norah conseguem quebrar um certo um certo “estado de ânimo” de suas vidas. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). No caso de Rose, essa quebra se dá com o momento em que ela diz basta para o caso sem futuro com Mac – depois que ela percebe que ela estava apenas tentando perdurar uma sensação de “estrela” do colegial que não existia mais. Esse “choque” com a realidade para ela se deu com seu encontro com ex-colegas de turma. Não importa o que ela fizesse, ela seria sempre vista como a garota “que no passado foi tudo e que hoje é uma coitada” – idéia com a qual ela não se conformava.

Norah, por sua vez, acaba encarando o suicídio da mãe de frente e parte, como em LMS, em uma viagem simbólica para descobrir o que era importante para sua vida. Ela rompe com aquela situação montada na família em que ela seria sempre a “menina dependente” de atenção e cuidados. Interessante. No fundo, ainda que mais denso, Sunshine Cleaning repete a fórmula de LMS em misturar humor satírico, drama e personagens “extravagantes” em uma história otimista sobre a coragem de viver e sobre a capacidade das pessoas em se descobrirem e se recriarem pelo caminho.

NOTA: 9,2.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: Sunshine Cleaning deixa claro, logo no cartaz do filme, que os produtores de Little Miss Sunshine são os mesmos deste novo filme. Mas além deles, apenas o ator Alan Arkin aparece nas duas produções. O trabalho de direção, desta vez, fica por conta de Christine Jeffs, que faz um trabalho competente, sempre em busca do melhor ângulo para valorizar o trabalho dos atores. O principal aliado da diretora (há cinco anos sem filmar) neste novo filme é o diretor de fotografia John Toon, que utiliza cores de matiz alaranjada que acabam dando uma aura permanente de “realidade saturada” e/ou envelhecida para a história.

Mas a responsabilidade maior pelo filme parece ter caído mesmo no colo da roteirista Megan Holley. Ela acerta e se equivoca ao tentar reproduzir a fórmula de LMS. Claro que sempre é mais fácil seguir uma conhecida linha de sucesso. A sensação que temos, ao terminar de ver a Sunshine Cleaning, é que Holley consegue apenas em parte nos apresentar uma história emocionante e com conteúdo sem copiar demais ao colega Michael Arndt (que teve a seu favor o “ineditismo” do enfoque de LMS). O filme deve agradar especialmente as pessoas que não assistiram a LMS ou, no caso das que assistiram, aos que não se importam em ver muitas variações sobre os mesmos temas.

Um grande achado do filme, sem dúvida, é a ironia de Holley com os estereótipos de “chefe de torcida” (cheerleading) e “capitão do time de futebol americano”. Um pouco que seguindo a idéia de “como seriam os superheróis quando eles se tornassem velhos?”, a roteirista brinca com o futuro de ídolos de uma geração que acabam chegando aos 30 e tantos anos sem se destacarem na sociedade em que vivem. O galã estudantil se casa com outra pessoa e acaba “perdurando” sua juventude ao manter um caso com a antiga chefe de torcida. Ambos sobrevivem em empregos comuns, sem desempenharem mais nenhum protagonismo social. Curiosa e divertida ironia e reflexão, especialmente para quem se sente “perseguido” por complexos ou “êxitos” de uma época tão distante como o colegial ou o primário.

Sunshine Cleaning foi filmado na cidade de Albuquerque, Novo México. Segundo as notas de produção do filme, esta cidade foi escolhida por abrigar um cenário propício para a história, algo que mesclava o clima árido do deserto com uma paisagem privilegiada. A diretora do filme também ressaltou o olhar cuidadoso de Toon com os atores, em uma busca permanente para que a câmera se tornasse “íntima” dos personagens.

O produtor Peter Saraf destacou, neste mesmo material de divulgação do filme, que em nenhum momento a câmera mostra os crimes que depois acabam sendo fonte de trabalho para as protagonistas. Saraf ressalta, ainda, que Sunshine Cleaning é um “maravilhosa metáfora sobre a limpeza no final da vida de alguém enquanto as suas próprias vidas são uma bagunça total”, e que as personagens acabam se dando conta, lá pelas tantas, que devem fazer uma limpeza também em suas próprias vidas.

As atrizes Amy Adams e Emily Blunt teriam passado alguns dias trabalhando em cenas de crime reais, como pesquisa para suas personagens.

Outros profissionais importantes na equipe técnica do filme são Michael Penn, responsável pela trilha sonora, e Heather Persons, que assina a edição de Sunshine Cleaning.

Os usuários do site IMDb deram a nota 7,3 para o filme. Por sua vez, os críticos que tem textos linkados no Rotten Tomatoes dedicaram 103 críticas positivas e 38 negativas para a produção – o que lhe garante uma aprovação de 73%. Um destes raríssimos exemplos de um empate técnico entre a opinião de público e críticos.

Depois de estrear no Festival de Sundance de 2008, Sunshine Cleaning passou por outros três festivais e dois mercados de distribuição de filmes antes de estrear de maneira limitada nos Estados Unidos em março deste ano. Até o momento, o filme não recebeu nenhum prêmio – ainda que tenha sido indicado em Sundance, mas perdeu na categoria de Grande Prêmio do Júri para Frozen River.

Nas bilheterias, o filme teve um desempenho um tanto fraco: conseguiu, até o dia 9 de julho deste ano, pouco mais de US$ 12 milhões. Achei pouco levando em conta que ele foi vendido como uma produção na linha de Little Miss Sunshine e por ter duas atrizes “vendáveis” como Amy Adams e Emily Blunt como protagonistas. Apenas para comparar, LMS conseguiu quase US$ 60 milhões apenas nos Estados Unidos.

Preste atenção especialmente nas cenas da “aventura” noturna sob o trilho de trem e na sequência em que, finalmente, a mãe das protagonistas aparece em cena.

Sunshine Cleaning só comprova o grande ano que Amy Adams teve em 2008. Além deste filme, ela estrelou Doubt e Miss Pettigrew Lives for a Day, ambos comentado aqui no blog. Este ano, logo mais, ela poderá ser vista em Julie & Julia, filme dirigido por Nora Ephron em que ela repete a dobradinha vista em Doubt com Meryl Streep.

CONCLUSÃO: Um filme denso sobre a bagunça que pode ser a vida de algumas pessoas e sobre as medidas que elas tomam para resolvê-la. Produzido pelas mesmas pessoas responsáveis por Little Miss Sunshine, este filme segue a mesma linha de colocar como protagonistas da trama pessoas comuns ou, para alguns, verdadeiros “losers”. Com atuações realmente muito boas, especialmente das atrizes Amy Adams e Emily Blunt, que encarnam personagens diferentes do que o público está acostumado a ver, Sunshine Cleaning segue a linha de “narrativa de envolvimento crescente”. De história bastante ordinárias partimos para reflexões um tanto filosóficas e profundas, como a de que a escolha do que fazemos para viver pode determinar bastante o nosso grau de sensibilidade com os nossos problemas (e dos demais) e dos mecanismos que desenvolvemos para a resolução dos mesmos. Mais sombrio que Litte Miss Sunshine, este filme deve ser visto como uma interessante tentativa de entretenimento um tanto denso e que privilegia personagens à margem na sociedade norte-americana.

Tem filmes que são exatamente aquilo que eles prometem ser. Outros, nem chegam a satisfazer a expectativa criada pelo trailer ou por outras formas de propaganda. E existe ainda aquela categoria de filmes que vai além das aparências. The Girlfriend Experience, novo filme do diretor Steven Soderbergh, criou reboliço por ter uma atriz pornô como protagonista. A produção também chamou as atenções por narrar o cotidiano de uma “acompanhante de luxo” que vive em uma Manhattan nas vésperas de eleições presidenciais de 2008. Mas francamente The Girlfriend Experience é muito mais que umas “confissões de uma garota de programa”, como quer resumir o título escolhido para o Brasil. Ele é um grande exercício narrativo de Soderbergh que demonstra, com apuro técnico e inspiração, como um contador de histórias pode transformar o que parecia ser uma narrativa banal em uma pequena e preciosa pérola do cinema.

A HISTÓRIA: Um jovem casal acaba de sair do cinema e, dentro de um táxi, falam de suas impressões sobre o filme. Depois, eles jantam em um restaurante intimista e, ao chegarem em seu apartamento, Philip (Philip Eytan) conta a Chelsea (Sasha Grey) sobre os empréstimos que tem feito para um amigo que parece não saber a hora de parar de pedir favores. Depois eles namoram no sofá. No dia seguinte, ele pede um café da manhã para os dois e ela vai embora. O que parece uma noite romântica e uma manhã normal de um casal qualquer com um certo padrão de vida em Nova York é, na verdade, o trabalho de Chelsea (que se chama, na verdade, Christine). Acompanhante de executivos, roteiristas e demais homens de dinheiro, ela narra seu cotidiano em uma época de incertezas nos Estados Unidos – e no mundo.

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso recomendo que só continue a ler quem já assistiu a The Girlfriend Experience): Um filme pode ser interessante de maneira óbvia ou fugindo dos padrões. Este novo filme de Soderbergh, com um ótimo roteiro de David Levien e Brian Koppelman é tudo, menos tradicional. Para começar, ele muitas vezes insinua ser algo, mas acaba sendo outra coisa totalmente diferente. Por exemplo, a questão da narrativa. Aparentemente, The Girlfriend Experience nos mostra o cotidiano de Chelsea/Christine de forma linear. Ledo engano. O único fio condutor “linear” desta história é a entrevista da garota com um jornalista (Mark Jacobson). O restante do filme é contado em um vai-e-vem entre o passado e o presente da protagonista.

Essa “complexidade” do roteiro, provavelmente, passará desapercebida de muita gente. Assim sendo, boa parte dos espectadores ficará em dúvida sobre o que aconteceu com Chelsea e seu namorado, Chris (Chris Santos). (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Se a história fosse contada de forma linear, a impressão que temos é que Chris se mandou para Las Vegas e que Chelsea quebrou a cara com seu novo cliente, levando um bolo no final de semana que tinha sido motivo de uma briga dela com o namorado. Mas é justamente a entrevista com o jornalista que nos revela a “cilada” do roteiro. Vou dar a dica para vocês: lá pelo no minuto 53 do filme, Chelsea conta como determinados livros de personalogia são importantes para o seu trabalho, para o momento em que ela aceita ou não sair com algum cliente novo.

No final deste trecho, o jornalista pergunta para ela como ela lidou com um cliente (David, interpretado por David Levien, co-roteirista do filme) pelo qual ela tinha se interessado (e o qual tinha se interessado por ela) e Chelsea revela que ainda estava lidando com o caso. Outras cenas também comprovam que ela não se encontrou apenas uma vez com David – o que a cena seguinte, quando ela informa para Chris que vai passar o final de semana com tal cliente, insinua. Se comparamos também a sequência do minuto 34 (quando “pegamos o bonde andando”) com a que ocorre logo após a pergunta-chave do jornalista, pelo minuto 54, fica comprovado como a história não é linear. E isso faz toda a diferença na hora de entender ou não ao filme.

Mas as aparências não enganam apenas na forma com que o roteiro é desenvolvido. Cada escolha de cena feita pelo diretor Steven Soderbergh reforça a idéia de que tudo o que parece fútil e conversa vazia é, na verdade, um jogo de cena. Quando o diretor tira o foco dos atores para mostrar o cenário, a cidade, o “alto nível” de restaurantes e apartamentos de luxo, ele nos faz refletir sobre a importância que aquele momento histórico dá para as pessoas e para as “coisas”. Todos vivem em um momento de neurose coletiva, alimentada por uma “crise financeira mundial” que domina as conversas das pessoas – mesmo quando o tema parece ser as eleições entre Barack Obama e John McCain.

As conversas sobre a crise e as eleições são como uma cortina de fumaça de algo maior, que é a histeria coletiva. Todos correm para mudar de vida, para se “aprimorar” como resposta ao medo que a tal crise provoca. Isso vale para a “garota de programa” de luxo, para seu namorado, um atlético preparador físico de uma academia, para os executivos, comerciantes, roteiristas de cinema, atores de tevê e demais clientes de Chelsea. Esta talvez seja a grande tacada de mestre de Soderbergh que, ao narrar um curioso e um pouco “picante” cotidiano de uma “garota de programa”, acaba fazendo uma crônica visual, mais que verbal, sobre as características da sociedade dos Estados Unidos atual.

De quebra, os roteiristas ainda insinuam que existe pouca diferença entre os que votam em democratas ou republicanos em solo estadunidense. Todos, no fundo, querem saber de ganhar dinheiro e de manter o seu alto padrão de vida. Cada cliente de Chelsea fala da crise e da necessidade de superação para enfrentar os “novos tempos”, mas ninguém deixa de pagar altas quantias por uma acompanhante, nem de frequentar os melhores restaurantes ou, no caso dos “novos amigos” de Chris, de viajar com um jatinho particular para passar um final de semana de festas em Las Vegas. A crítica nas entrelinhas à hipocrisia do discurso vigente é um dos pontos altos do filme.

Sou suspeita para falar, mas achei a direção de Steven Soderbergh em The Girlfriend Experience, uma das mais interessantes dos últimos tempos. Alguns afirmam que este é um grande exercício de cinema experimental. Concordo que o diretor roça neste tipo de cinema. Mas ele não faz manobras endiabradas com a câmera. Pelo contrário. Cada escolha de foco ou de plano para a câmera é feita de forma premeditada. A exemplo de Cristian Mungiu em 4 Luni, 3 Saptamâni si 2 Zile, a escolha mais frequente é a da câmera parada, com um plano aberto, mantendo certa distância e “imparcialidade” sobre a narrativa que está se desenvolvendo.

Mas Soderbergh vai um pouco além desta escolha feita por Mungiu e outros cineastas anteriormente. Como esboçou em filmes que precederam The Girlfriend Experience, Soderbergh se debruça em elementos de beleza urbana. Lhe interessa, igualmente, as letras de uma vitrine ou a iluminação diferenciada de um restaurante. A beleza dos detalhes ganha protagonismo na visão do diretor, mais que alguns momentos de interpretação dos atores. Mas isso não significa que ele não dê a devida atenção para o que os protagonistas falam ou como eles agem. Não. Nos momentos decisivos – e até nos mais inusitados, como em algumas “corridas” de táxi – a lente de Soderbergh está atenta para revelar as melhores expressões de seus atores.

E falando neles… que grande e grata surpresa esta Sasha Grey. Belíssima, charmosa, a atriz equilibra no tom exato as idéias de sensualidade, superficialidade, fragilidade, um misto de pessoa comum com mulher “extraordinária” e, ainda, elegância. Juro que se eu não tivesse lido que Sasha Grey é (ou era?) uma atriz pornô, jamais pensaria em algo assim. Há um tempinho eu não via um “rosto desconhecido” comunicar tanto apenas com o olhar e com o sorriso quanto esta garota. Ela carrega o filme, sem dúvida. Os demais atores – talvez a exceção seja David Levien -, inclusive Chris Santos, estão apenas razoáveis.

Outro ponto que chamou muito a minha atenção neste filme é a excelente trilha sonora assinada por Ross Godfrey, do Morcheeba. Além de ter escolhas perfeitas para cada momento do filme, esta trilha sonora é utilizada de uma forma bastante curiosa pelo diretor. Em muitos momentos, ela entra para tomar conta da história e marcar uma quebra narrativa como poucos filmes fizeram anteriormente. É como se não existisse espaço, neste mundo repleto de iPods e demais aparelhos que tocam MP3, para o silêncio. Em The Girlfriend Experience ou as pessoas estão falando qualquer coisa – muitas vezes palavras “vazias” – ou a música está tocando a todo volume. Seja o som produzido por artistas de rua – existe um contraponto maior que eles para a nossa protagonista? – ou uma escolha pontual de Godfrey que “ocupa” a cena. De qualquer forma, aqui temos uma trilha sonora para escutar independente do filme.

Sei que já escrevi demais, mas ainda há um outro ponto de The Girlfriend Experience que fez com que eu ficasse fascinada pelo filme: sua reflexão sobre as “companhias aparentes” e a solidão crônica destes últimos tempos. Parte da conversa de Chelsea com o jornalista é muito reveladora. Especialmente nos pontos em que ele pergunta sobre a “Chelsea real”, sobre a possibilidade dela deixar ser vista por uma fresta em sua (necessária) armadura.

Mais no início do filme, ela responde que se os homens quisessem que ela fosse ela mesma, não estariam pagando para sair com ela. Mas depois, quando Chelsea admite que pode deixar-se conhecer por um de seus clientes, a resposta sobre o “tipo de homem” que seria capaz disto fica, propositalmente, sem resposta. Desta maneira, The Girlfriend Experience demonstra que vivemos em uma era de mudanças cada vez mais constantes. Uma relação “duradoura”, como a que Chelsea/Christine mantêm com Chris, pode estremecer ou evaporar por uma impressão, pelo que um livro que cruza datas de aniversário sugere. As “companhias aparentes” não se estabelecem apenas entre homens que pagam por uma noite com uma bela garota, mas também em relações vazias mantidas mais pelo costume que pelo olhar atento para o outro.

NOTA: 9,5.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: Parece evidente, mas não custa comentar: este filme não tem cenas de sexo explícito mas, ainda assim, deve ser considerado inadequado para crianças. Sasha Grey aparece nua em algumas cenas, mas o que pode ferir a sensibilidade de algumas pessoas é mesmo o linguajar do roteiro, recheado com alguns detalhes um pouco “picantes”/fortes da protagonista.

Uma dica para quem quer acompanhar a narrativa não-linear do filme sem se perder muito: preste atenção no vestuário da protagonista. Inicialmente, parece dispensável quando Chelsea anota em sua “agenda” de clientes detalhes sobre os encontros como a roupa com que ela estava vestida. Mas, na verdade, isso acaba sendo fundamental para ela – porque Chelsea não pode repetir figurinos em seus encontros – e para nós, que através do belo figurino escolhido por Christopher Peterson, podemos nos situar melhor na história.

Não falei antes da direção de fotografia, precisa, limpa e acertadíssima. Mas isso porque ela também é de autoria de Steven Soderbergh – que assina o trabalho com o codinome de Peter Andrews. Como venho falando desde o início, a escolha de cada cena é um trabalho muito autoral do diretor. Soderbergh ainda é o responsável pela edição do filme.

Em algumas versões do filme, foi colocada uma cena extra com a atriz Sasha Grey e um de seus “clientes” após os créditos finais. Mas esta cena está disponível em apenas algumas versões – oficialmente a produção tem 77 minutos de duração.

The Girlfriend Experience foi uma das sensações do Festival de Sundance em fevereiro deste ano. Depois de passar por ali, o filme compareceu ainda nos festivais de Tribeca, Cannes (foi comercializado no mercado do evento), Sydney e Edinburgh.

De super baixo orçamento, esta produção teria custado US$ 1,7 milhão. Quem dera que mais cineastas de renome como Soderbergh se aventurassem, de tempos em tempos, em fazer filmes no estilo. O problema é que, mesmo tendo custado tão pouco, o filme não deslanchou nas bilheterias dos Estados Unidos. Depois de estrear em um circuito limitadíssimo – não chegou a 50 cinemas – no dia 24 de maio, The Girlfriend Experience conseguiu pouco mais de US$ 677 mil até o dia 12 de julho.

O filme não conseguiu um desempenho muito bom na avaliação do público e da crítica. No site IMDb ele ostenta apenas uma nota 6,2. Por sua vez, os críticos que tem textos enlaçados no Rotten Tomatoes dedicaram para o filme 43 críticas positivas e 32 negativas, o que lhe garante uma aprovação de 57%. Achei as avaliações de ambos, público e crítica, muito baixas.

O título original do filme, The Girlfriend Experience, faz referência ao tipo de acompanhante de luxo enfocado pela história. Ou seja, garotas de “alto padrão” como Chelsea não são vistas “apenas” como garotas de programa ou putas. Elas cobram bem para, em troca, proporcionarem uma “experiência” como a de namoradas para seus clientes. Daí o termo “girlfriend experience”.

No material de divulgação do filme, The Girlfriend Experience é apresentado como um “drama sobre a relação entre nossa vida profissional e nossa vida pessoal na era da pós-crise do capitalismo”. Eu acrescentaria que este filme é um ensaio crítico sobre os valores dominantes da nossa época – ou, para alguns, da falta deles. Outras curiosidades: o filme narraria cinco dias na vida de Chelsea, que cobra US$ 2 mil por hora de seus clientes, nas semanas que antecederam as eleições dos Estados Unidos em 2008.

Neste mesmo material, fiquei sabendo que Sasha Grey tem 21 anos e que, além de atriz, é escritora, fotógrafa, estrela pornô, uma “artista transgressora” e música experimental. Segundo o texto, ela tem um forte interesse pelos filmes da nouvelle vague e, antes de adotar o nome artístico de Sasha Grey, ela utilizava o de Anna Karina – em homenagem a ex-mulher de Jean-Luc Godard. Sua escolha por Grey teria sido motivada por duas razões: pelo personagem Dorian Grey, criado por Oscar Wilde, e como referência a escala da sexualidade de Kinsey. Não é fraca essa menina! Ah, e o texto ainda comenta que ela tem um “enorme apetite sexual” e que ela considera o seu trabalho no cinema pornô como “performance art”. Seu gosto por tal arte fez com que ela estrelasse mais de 80 filmes pornô. Além da página oficial da atriz, divulgada antes, ainda deixo por aqui, para os fãs, seu MySpace.

Chris Santos, por outro lado, estréia nos cinemas neste filme – agora se explica porque ele é um tanto “fraquinho”. Segundo as notas de produção de The Girlfriend Experience, Santos utilizou sua experiência como instrutor atlético e como triatleta para interpretar o personagem de Chris. Mark Jacobson, que entrevista Chelsea no filme, é jornalista há mais de 35 anos, com textos publicados na New York Magazine, na National Geographic, na Rolling Stone e em outras publicações. Pelo visto, Soderbergh pinçou as pessoas “mais condizentes” com seus papéis, ou seja, as que tinham experiência fora das telas parecidas (ou iguais) com as que viviam seus personagens.

CONCLUSÃO: Um filme de baixíssimo orçamento do premiado diretor Steven Soderbergh que resolve fazer uma crônica sobre o estado de ânimo do mundo atual. Filmado nas vésperas das eleições dos Estados Unidos do ano passado, The Girlfriend Experience traça o perfil de uma sociedade de consumo, onde jogam as moedas da aparência, da superficialidade, do medo e da busca por sensações de prazer e de segurança fáceis. Estrelado por uma estrela do cinema pornô, este filme surpreende pela narrativa nada linear (que pode deixar muita gente perdida) e pelas escolhas do diretor. Um trabalho bastante autoral que mexe em dois temas que parecem ser fundamentais para a sociedade contemporânea: dinheiro e sexo (algo que Gay Talese havia revelado há quase três décadas em A Mulher do Próximo/The Neighbor’s Wife). Enfocando muitas vezes o cenário de Manhattan em detrimento das pessoas, Soderbergh deixa claro sua crítica ao protagonismo das “coisas” em lugar do indivíduo. Um filme que provavelmente não vá agradar a todos – seja porque alguns ficarão perdidos nas “mensagens”, seja porque outros não encontrarão as cenas “picantes” que gostariam -, mas que traz uma importante brisa de frescor para o cinema feito nos Estados Unidos.

Por pura casualidade eu assisti a dois filmes do gênero “histórias-de-pessoas-tão-diferentes-que-se-cruzam”. Mas, nem por isso, eles são produções parecidas. Historias Mínimas, o filme recentemente comentado, narra vidas simples, de pessoas que moram no interior da Patagônia argentina e que tem a televisão como recurso mais “usual” para quebrar o tédio do cotidiano. Powder Blue, por sua vez, conta parte da trajetória de um grupo de pessoas solitárias em uma grande cidade. E não uma grande cidade qualquer, mas um dos ícones do sonho americano: Los Angeles. Solitárias, desesperadas, ferradas, acostumadas a um ambiente de morte e de perigo. O cenário em que elas vivem é exponencialmente contrário ao de Historias Mínimas. E ainda que Powder Blue tenha alguns elementos de outros filmes, como Magnólia e o anteriormente comentado neste blog The Air I Breathe, ele se mostra um filme diferenciado dos demais. Com um elenco estelar, que resgata atores importantes até em pontas, esta produção é uma daquelas que todos adoram atacar mas que, além disso, ela talvez seja mais simbólica e interessante do que uma análise apressada possa revelar.

A HISTÓRIA: Um homem com o corpo quase todo tatuado toma um banho de mar inesquecível. Outro dirige até sua casa e, ao chegar lá e recordar cenas do amor de sua vida no passado, aponta uma arma para si mesmo através do espelho. Uma mulher sai de um restaurante para ligar para o filho, enfeitando um encontro romântico que está próximo do fim. Um jovem dirige um carro funerário quando atropela um cachorro. Sentindo-se culpado, ele socorre o animal e leva-o para casa. Todas estas pessoas vivem momentos decisivos em suas vidas. Solitárias, elas buscam algum milagre, redenção ou, pelo menos, o fim de suas dores. Algumas delas terão seus caminhos cruzados na parte mais obscura e cínica de Los Angeles.

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso só recomendo que continue lendo quem já assistiu a Powder Blue): Propositalmente eu fiz um resumo do filme bastante vago. Afinal, um dos pontos fortes de Powder Blue é a maneira com que seus personagem vão se revelando pouco a pouco. Nesta crítica, mais que em outras, fará uma diferença brutal você ler o texto antes de ver ao filme. Sinceramente, não recomendo. Por deixar isso muito claro logo aqui, no início, desta vez não vou repetir a informação de que existem SPOILERs neste texto. Isso está subentendido e evidente. Avisados estais! Quem quiser passar direto pelo texto “estraga prazeres”, deve seguir direto até a nota e o que etiver abaixo dela.

Desde Short Cuts, Magnólia, Traffic, Babel e similares, todo filme que traz à cena diferentes personagens que tem suas vidas entrelaçadas recebe o mesmo tipo de análise. O melhor mesmo, algumas vezes, é não comparar tanto as produções – exceto quando o caso se revela o de uma cópia mal feita do original. Esta não é a situação de Powder Blue. Ainda que ele siga a mesma linha dos anteriores, ele se difere por algo sutil: todos seus personagens são colocados no mesmno plano arrativo e de importância. Não existem bandidos, nem mocinhos. Não fica claro, em momento algum, quem são as vítimas ou os predadores. Powder Blue escapa destas ciladas narrativas – vistas em muitas outras histórias do gênero – e mergulha em uma realidade que parece sempre desgraçada.

A carga do filme não é pequena. De Rose até Qwerty, passando por Charlie, Jack, Sally, Randall ou Velvet Larry, todos estão passando por dificuldades, carregam nas costas um grande peso do passado ou do presente. São pessoas que se arrastam pelas ruas de Los Angeles sobrevivendo, na face mais obscurado do “american way of life”. Esta característica da história, que foge dos estereótipos mais comuns, foi uma das que mais me interessou. Mas a primeira característica que me chamou a atenção no filme a direção de fotografia de Jonathan Sela e a presença em cena densa do ator Ray Liotta – juro que pensei, logo na sequência da praia, “Será este filme um The Wrestler para a carreira dele?” (ou seja, será que Powder Blue faria para Liotta o mesmo que The Wrestler fez para Mickey Rourke?). Claro que esta idéia evaporou logo que eu percebi que o filme teria vários personagens no mesmo patamar de protagonistas – o que impede que Ray Liotta brilhe mais.

Como manda o figurino dos filmes com vários personagens principais, os primeiros minutos de Powder Blue nos apresentam seus personagens. Como chegamos de “paraquedas” em suas vidas, não sabemos nada sobre o caminho que levou cada um deles a atual situação de desespero. Mas por mais ferrados que cada um deles esteja, o curioso deste filme “carregado de esperança” é que nenhum dos personagens centrais desta história perdeu as esperanças. Isso desde o primeiro minuto da história. Por isso, no momento em que Powder Blue dá uma guinada para o lado do “tudo dará certo” e para uma sequência de “finais felizes” (dentro do que isso pode significar para os distintos gostos), a verdade é que esta “mudança de rumos” não é tão radical assim… desde o início Powder Blue investia nesta idéia de que “nem tudo está perdido” e de que sempre existirá uma saída para os problemas, por maior que eles sejam.

Mas o bacana do filme, para mim, é que mesmo os “finais felizes” são um bocado tristes. (SPOILER – não leia para não estragar o final do filme). De uma maneira bastante simbólica, por exemplo, Rose Johnny (Jessica Biel) perde, em uma mesma noite, o pai e o filho. Neste momento, ela se torna tão “solitária” quanto Qwerty Doolittle (Eddie Redmayne), um rapaz que deve enfrentar o mundo por sua conta – como, agora, Rose. Sem laço algum, nem com o passado e nem com o futuro, os dois se lançam em uma união singular. Curioso. E mesmo Charlie (Forest Whitaker) reencontra a fé perdida depois de passar por um momento trágico – os anjos não salvam ninguém. A morte, aliás, está sempre rondando os personagens – como na vida mesma, digamos. Este fator de tensão, assim como o fato da história não evitar a tragédia e nem a felicidade/esperança na mesma dose, faz deste filme algo diferente dos demais que bebem da mesma fonte.

A direção de Timothy Linh Bui é muito, muito boa. Este diretor vietnamita de 39 anos mostra firmeza e inspiração na condução da história, que foi escrita por ele e por Stephane Gauger. Bui valoriza cada personagem e faz uma escolha acertada do uso de closes, panorâmicas, travelling’s, plongée e afins. Cada cena dá a impressão de ter sido cuidadosamente planejada e estudada antes de ser, efetivamente, executada. Gostei. E assim como a direção de fotografia que dá o clima perfeito (geralmente obscuro) para a história, a trilha sonora acaba sendo fundamental nos momentos de maior carga dramática – um bom trabalho do compositor Didier Rachou. Tecnicamente, para resumir, o filme é bem acabado e, no quesito direção, um bocado inspirado.

Os atores, em geral, estão muito bem. Forest Whitaker, como sempre, rouba a cena quando aparece. Com uma grata surpresa “reencontrei” o ator Eddie Redmayne, que já havia me surpreendido um pouco em Savage Grace. Mais uma vez, ele está encantador, frágil e enigmático na medida certa. Mas a grande surpresa do filme, para mim, foi a interpretação da atriz Jessica Biel. Cacilda!! Não é nada fácil para uma atriz segurar um papel como o de Rose Johnny, tão carregado de desafios e de dramas pessoais, sem contar no esforço físico que deve ter significado fazer as cenas no clube de streptease. E que porreta as cenas de dança… muito bem coreografadas, executadas e filmadas. Certo que Marisa Tomei caminhou com a mesma ousadia em The Wrestler, mas dela já se esperava algo assim… Não é um filme dos mais fáceis de ser assistido, especialmente porque ele não economiza nas cenas de nudez, violência e no linguajar. Mas tudo justificado pelo cenário e pelos personagens da história. Para mim, especialmente por ainda ter na lembrança o fraquíssimo (para não dizer ruim) The Air I Breathe, este filme foi uma grande e boa surpresa.

NOTA: 9.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: Três características do cartaz de Powder Blue me levaram a recorda de The Air I Breathe: a lista de nome de atores famosos; a participação de Forest Whitaker no elenco e o uso da cor azul como “protagonista”. Mas, para minha alegria, o filme dirigido e escrito por Timothy Linh Bui se mostrou sensivelmente melhor que o comandado por Jieho Lee. O segredo talvez tenha sido o de contar uma história de maneira gradativa, focada nos detalhes, e pouco preocupada em “surpreender” a cada segundo – ou em parecer mais do que era.

Powder Blue é bastante carregado de simbologias. Do cachorro que serve de elo de ligação entre Rose e Qwerty (e que representa, por sua vez, desespero e reconforto, respectivamente) até a “neve azul” que cai sobre Los Angeles no momento decisivo para quase todos os personagens. Alguns devem se desconectar do cordão umbilical que os prendiam à dor e a falta de esperanças; outros se encontram com a própria e solitária redenção. Nem sempre é a vida que nos ensina, mas especialmente a morte. Powder Blue trata de muitos temas, mas especialmente, acredito, sobre a fragilidade humana – seus erros, acertos e o caminho que escolhemos para encarar tudo isso. Mesmo sendo um filme inventivo e com alguns acertos, é claro que ele não escapa de alguns lugares-comum e da “releitura” de velhas cenas batidas do cinema – do “passeio romântico” em um carrinho de compras até a “despedida” no hospital, tudo já foi visto antes, de outra forma.

Além dos atores já citados, vale comentar o trabalho de Lisa Kudrow como Sally, a garçonete que acaba simbolizando a esperança para o desacreditado Charlie; Patrick Swayze impressiona em sua ponta como Velvet Larry, o gerente e/ou proprietário do clube de streptease em que Rose se apresenta; o veterano Kris Kristofferson em uma super-super-ponta como Randall, um antigo parceiro de crime de Jack Doheny (Ray Liotta) que dá a dica certeira para que o “amigo” se reencontre com o próprio passado; e o menos conhecido Alejandro Romero, que faz um papel difícil como Lexus mas que, com talento, dá conta do recado.

Como eu havia “sugerido” antes, Powder Blue foi alvo de uma saraivada de críticas negativas. Para começar, ele não ostenta uma nota muito boa no IMDb: apenas um 6,5. Mas são os críticos que tem seus textos linkados no Rotten Tomatoes que “detonaram” mais a este filme: eles dedicaram seis críticas negativas e apenas uma positiva para Powder Blue, o que lhe garante uma aprovação de apenas 14% do total. Bem ruim este desempenho…

Não existem dados ainda sobre a bilheteria do filme.

Uma curiosidade: Forest Whitaker é o único dos quatro atores principais do filme que não tem olhos azuis. Hummm… seria este mais um simbolismo da história? Coincidência, certamente, não deve ser. Será que a “ótica azul” neste caso se refere aos personagens que mantêm a esperança mesmo em meio às trevas, algo que o personagem de Charlie só vai encontrar quando percebe o “azul” da neve – um “chamado divino” para que ele despertasse? Enfim, algumas idéias do filme dão pano pra manga…

Nas notas de produção do filme, o diretor Timothy Linh Bui comenta que, depois de fazer dois filmes sobre o nascimento do país chamado Vietnã, ele queria continuar “contando histórias que fossem significativas pessoalmente, ainda que entendidas de forma universal”. Buscando inspiração, ele teria passado “inúmeras” horas em várias livrarias, até que encontrou, em uma delas, um livro de Carl Jung. Nele, Bui leu o trecho que fala que o encontro de duas personalidades é como o contato de duas substâncias químicas, no qual se houver alguma reação entre estas personalidades, as duas serão transformadas. Com esta idéia na cabeça e a vontade de contar uma história sobre Los Angeles – a parte que não está revestida de brilho e glamour – é que o diretor se enfiou no Saharan Motel localizado em Sunset Blvd. para escrever a história de Powder Blue.

Na definição do diretor, Powder Blue é um filme “sobre o amor como o fundamento da vida”. E ele continua: “O amor é uma aspiração de vida universal difícil de encontrar e muito mais difícil de sustentar. Powder Blue é sobre tentar novamente e tentar de forma ainda mais difícil. Trata-se de redenção e perdão, sobre culpa e desespero, sobre encontrar o amor nas sombras e no interior dos corredores de uma cidade. Powder Blue é uma história de amor…”, resume Bui no material de divulgação do filme.

E como na maioria dos casos, não recomendo que ninguém assista ao trailer antes de ver ao filme – nele, aparecem mais cenas do que o desejado. O trailer, aliás, traz uma coleção de cenas bastante “óbvias” de Powder Blue – que chega a ser previsível em vários pontos, é bem verdade.

CONCLUSÃO: Um filme bem dirigido e bem escrito sobre conceitos que permeiam a vida de qualquer pessoa, como a morte, a violência, a falta de esperança, a busca pelo amor e pela solução dos nossos problemas. Focado no lado mais obscuro da vida em Los Angeles, Powder Blue é um filme que não economiza nas cenas fortes e sensuais, mostrando parte do cinismo, da solidão e degradação de uma grande metrópole. De lambuja, esta produção nos traz um elenco estelar, com especial curiosidade para a exposição de alguns atores, como é o caso de Jessica Biel, Ray Liotta e Patrick Swayze. Dê especial atenção para algumas escolhas do diretor vietnamita Timothy Linh Bui, para o uso da cor azul em detalhes significativos e para o tom de esperança que permeia toda a história – mesmo que ele esteja frequentemente ameaçado pelo lado obscuro da mesma. Para resumir, este é um exemplo de filme envolvente, com bons personagens, atores competentes e equipe técnica à altura. Não revoluciona a vida de ninguém mas traz, de maneira quase casual, qualidade e temas interessantes de maneira simbólica para uma noite de cinema.