Crítica (non)sense da 7Arte

Em 2008 e 2009 uma série de filmes relembraram histórias e aspectos da 2ª Guerra Mundial. Diferentes países se lançaram em produções próprias para contar, aparentemente, seu próprio “quinhão” daquele evento. Por isso mesmo, o espectador que começa a assistir Oorlogswinter pensa que assistirá apenas “mais uma história” sobre a guerra, desta vez com as cores da bandeira holandesa. Verdade que o filme dirigido por Martin Koolhoven trata sobre a fase final da guerra em território holandês, mas a história vai muito além do foco dos conflitos e intrigas envolvendo nazistas e a resistência do país invadido. Representante da Holanda para o próximo Oscar, Oorlogswinter tem todos os elementos para se colocar entre os favoritos.

A HISTÓRIA: Em janeiro de 1945, em uma certa noite, o garoto Michiel (Martijn Lakemeier) acorda e, ao levantar-se, pega a sua pequena lanterna da cabeceira da cama. Ele escuta, ao longe, a disparos. Olhando pela janela, Michiel vê a um avião em chamas em trajetória de queda. Um soldado alemão chega próximo ao local de bicicleta. Ao fazer sua ronda de reconhecimento, ele encontra sangue, mas não é rápido o suficiente. Preso com o paraquedas em uma árvore, o soldado inglês Jack (Jamie Campbell Bower) atira no nazista. No dia seguinte, Michiel e seu melhor amigo, Theo (Jesse van Driel) se aproximam do avião para conseguir algum “brinquedinho” de guerra. O que Michiel não sabe é que logo ele deixará de brincar e, sem querer, se aproximará perigosamente do “inimigo” dos invasores de seu país, o soldado Jack.

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso recomendo que só continue a ler quem já assistiu a Oorlogswinter): O filme dirigido com cuidado e atenção aos detalhes por Martin Koolhoven começa muito bem. Ainda assim, serei honesta, fiquei pensando em todos os “lugares-comum” que a história começava a abrigar. Primeiro, identifiquei o uso fundamental de uma trilha sonora potente, muitas vezes dramática, para ressaltar o drama da produção. Depois, a história baseada fundamentalmente em um personagem infanto-juvenil – ingredientes que normalmente funcionam bem juntos e garantem o apelo necessário para que uma produção agrade a público e abocanhe alguns prêmios.

Como este ano assisti a muitos filmes ambientados no período da 2ª Guerra Mundial, também admito que pensei, inicialmente, que este seria apenas “mais um”, desta vez com o olhar dos holandeses. Mas Oorlogswinter tem tantas qualidades que, pouco a pouco, vai derrubando estas idéias pré-concebidas e vai conseguindo arrebatar o espectador.

No início do filme, pensei que esta seria uma história da “guerra contada pela ótica de dois meninos”. Garotos que viam o conflito como uma aventura, na qual a tarefa mais difícil era conseguir algumas peças para suas coleções particulares. Chega a ser um pouco irritante o exagero da sequência de “fuga e perseguição” entre Michiel, Theo e os soldados alemães que estão fazendo o reconhecimento do avião inglês. Neste momento o espectador pode pensar que o filme será isso, uma “aventura” supervalorizada pela música e com pouca importância real. Ledo engano.

Michiel é um personagem muito interessante. Filho do prefeito Johan van Beusekom (Raymond Thiry), ele abomina a presença dos nazistas em seu país. Por isso, não aceita que o pai mantenha uma convivência pacífica e um tanto simpática com os invasores. Como contraponto, o garoto idolatra ao tio Ben (Yorick van Wageningen), que participaria da resistência holandesa contra os nazistas.

Observador e inteligente, Michiel fica excitado quando o irmão mais velho de Theo, Dirk (Mees Peijnenburg), lhe procura para pedir-lhe um favor. Ele pede que, se não voltar em breve, o vizinho entregue um envelope para o ferreiro Bertus (Tygo Gernandt). Michiel nem sonha o que abriga aquele envelope pardo, mas ele o guarda como se fosse o objeto mais valioso da Holanda naqueles dias.

Quando Bertus é preso e sua família ameaçada pelos nazistas, Michiel tenta entregar o envelope para Bertus. Sem conseguir, ele mesmo resolve resolver o enigma. Assim é que ele se aproxima de Jack, o soldado inglês ferido que tenta fugir daquela área de domínio nazista. Corajoso e esperto, Michiel assume o risco de ajudar a um soldado inimigo – sabendo que esta sua atitude pode ter resultados terríveis. Mas descontente com a presença alemã no país, ele sente que esta é a sua oportunidade de fazer algo contra a guerra.

Eis aí o primeiro aspecto interessante do filme: ele não apenas mostra a guerra pela ótica de um jovem garoto de família importante, mas revela o desejo de muitos holandeses (que representam simbolicamente todas as demais nacionalidades invadidas durante a guerra) em se livrar do odiado invasor.

Alguns buscavam resistir lutando em países ainda não invadidos. Outros, através de movimentos de resistência dentro de seu próprio país – essencialmente praticando atos terroristas contra arsenais de armas e meios de transporte. Mas havia uma parte considerável que apenas convivia com o invasor, tentando resistir através de um ato de sobrevivência.

O jovem Michiel admirava apenas os que lutavam diretamente, seja na guerra ou através de movimentos de resistência. Não entendia o próprio pai, que sabia que um dia o conflito iria terminar e que era necessário que o maior número de holandeses estivesse vivo para reconstruir e retomar o crescimento do país.

E neste ponto, entramos no aspecto mais interessante do filme. (SPOILER – não leia se você não assistiu a Oorlogswinter). Esta produção holandesa discute, como poucas – e de forma muito natural e emocional – como era difícil, na época da 2ª Guerra Mundial, determinar quem eram os “mocinhos” e os “bandidos” da história. Michiel tem claro em sua cabeça as pessoas que admira e as que tem vergonha de conhecer. Só que conforme o filme se desenrola, o garoto vai aprender que sua noção de realidade estava muito distorcida. Os papéis de heróis e bandidos trocam de lado, e esta surpresa do roteiro é o que provoca a mudança fundamental na história – deixando para trás a sua carga de “dramalhão” para transformá-la no rito clássico de perda da inocência e da passagem da infância para a vida adulta.

Essa reflexão pontual do filme pode ser extendida para um terreno muito mais amplo do que o da guerra – e daquele conflito, em particular. Atualmente, muitas pessoas correm para esquematizar o mundo em “heróis” e “bandidos”, determinando quem é do bem ou do mal. O problema é que esta noção está cada vez mais difusa. E as pessoas que jogam de um lado hoje podem jogar de outro amanhã. O ser humano é complexo. Com isso, não quero (e nem pretendo) relativizar todos os acontecimentos, tirando as responsabilidades das pessoas. Não. Só quero dizer que é cada vez mais difícil colocar alguém em um papel e deixá-lo ali permanentemente.

Gostei muito da direção de Martin Koolhoven – que é responsável, ainda, pelo roteiro de Oorlogswinter. Koolhoven adaptou o romance de Jan Terlouw para o cinema ao lado de Mieke de Jong e Paul Jan Nelissen. O trio faz um belo trabalho ainda que, admito, eles calculem um pouco demais cada recurso para emocionar o espectador. Alguma vezes, quando esta tentativa fica muito evidente, o efeito acaba sendo o contrário. Mas como a história original é muito boa, mesmo os “recursos fáceis” algumas vezes utilizados em Oorlogswinter não são suficientes para estragar a história.

Um bom filme deve ser capaz de levar o espectador “pela mão”. Ou, em outras palavras, conduzí-lo pela história de tal maneira com que ele se envolva, se emocione, e esqueça todos os recursos fáceis (ou difíceis) de narrativa planejados para este fim – o de emocionar. Inicialmente Oorlogswinter não consegue isso. Ficam evidente os fios soltos de seus recursos cuidadosamente planejados para fisgar o espectador. Mas depois, Koolhoven consegue o seu propósito e arrebata ao público.

Um dos principais trunfos do diretor – e eu me arrisco a dizer que o grande responsável pelo sucesso da produção – é o desempenho do ator Martijn Lakemeier. O garoto dá um show de interpretação. Seja nos momentos de “aventura” juvenil, nos em que deixa claro seus alvos de admiração ou desprezo, Lakemeier segura a complexidade de seu personagens nas inúmeras situações em que sua interpretação é feita sem palavras, no silêncio. Emocionante o trabalho do rapaz. Junto com ele, há outros atores muito bons (dos quais comentarei em seguida), mas é Lakemeier quem rouba as cenas.

Oorlogswinter é feito para emocionar, não há dúvida. Tudo no filme é pensado para isso – especialmente a trilha sonora “grandiloquente” (e nuito bonita, devo dizer) do italiano Pino Donaggio. Mas o importante de filmes planejados desta maneira é quando ele nos apresentam uma grande história e, principalmente, conseguem o seu objetivo. Oorlogswinter é um destes exemplos, em uma produção cara e de qualidade técnica e interpretativa.

E o melhor do filme é que, mesmo depois da reviravolta pela qual passa a história, há ainda uma grande outra mensagem para o espectador – além daquelas já citadas. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Quando a guerra termina e a Holanda se vê livre do domínio nazista, Michiel parece ser a única pessoa no país a não comemorar este feito – certamente outros também não celebraram, mesmo tendo desejado tanto que os invasores fossem embora. E a cena final, é simplesmente deslumbrante. Quando o misteriosamente desaparecido Theo reaparece para falar com seu melhor amigo e lhe oferece aquela correia que havia pego no avião inglês para brincar, Michiel (e os espectadores) redescobrem algo fantástico: que ele é, afinal de contas, pouco mais que uma criança. E, mesmo marcado por fatos tão trágicos causados pela guerra, ele terá toda a esperança e a oportunidade da vida para divertir-se e descobrir seu próprio caminho. Cena maravilhosa.

NOTA: 9,8.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: Jan Terlouw, o autor da obra Oorlogswinter que inspirou este filme, é um dos mais importantes e conhecidos escritores infanto-juvenis da Holanda. Apenas neste link é possível encontrar 24 livros publicados por ele. Cientista formado e especializado em física e matemática, Terlouw também seguiu a carreira política. Segundo este texto, o autor começou a sua trajetória na literatura infantil em 1970. Terlouw recebeu, em duas ocasiões, o prêmio literário Golden Slate Pencil. Teve seus livros traduzidos para 17 idiomas. Seu livro de maior êxito, Koning van Katoren (no Brasil, Sete Desafios para ser Rei) foi reimpresso na Holanda 54 vezes e vendeu, pelo menos, 350 mil cópias. Honestamente, fiquei curiosa para saber se a adaptação de Oorlogswinter é fiel e corresponde à qualidade da obra original de Terlouw.

E uma curiosidade sobre Oorlogswinter: a obra foi adaptada, anteriormente, para a televisão holandesa. Em 1975 ela foi lançada como uma minissérie, com direção de Aart Staartjes e com 5 horas e 41 minutos de duração.

Talvez motivados pelo aniversário de 70 anos do início da 2ª Guerra Mundial, muitos países que viveram o conflito direta ou indiretamente começaram a discutir distintos aspectos daquela época. Para os interessados, sugiro uma pesquisa aqui no blog mesmo. Há desde o alemão Das Weisse Band, que debate a formação da geração que iria permitir a ascensão nazista; até a visão “moderna” de Die Welle sobre o fascismo e os movimentos totalitaristas. Vale citar ainda Max Manus, outro concorrente a uma vaga no próximo Oscar de Melhor Filme Estrangeiro; Good, dirigido pelo brasileiro Vicente Amorim; e o estadunidense Defiance. Todos comentados aqui no blog. O que interessa é que esta revisão histórica, com diferentes óticas contribuindo para o entendimento daquela época, são muito bem-vindos.

(SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Emocionante, nesta história, o fato de como Michiel não sabe, exatamente, aonde está se metendo. Ele não tem a idade ou a visão necessária, ainda, para entender a complexidade da guerra e de suas relações de poder, disputas e dos diferentes interesses que estão em jogo. Daí vem a perda de sua inocência, quando ele começa a se dar conta da complexidade da guerra. Impressionante, em especial, como ele descobre, perto do final, quem era realmente o seu pai. Alguém que ele não conhecia de fato, mesmo convivendo sob o mesmo teto com ele. Bonito isso. E mais realista do que muitas pessoas gostariam de admitir.

Todos os atores escalados para Oorlogswinter fazem um belo trabalho. Além do principal nome do elenco, o já comentado Martijn Lakemeier, merecem destaque: o trabalho afinadíssimo de Raymond Thiry como o pai do garoto; Melody Klaver como Erika, a irmã mais velha de Michiel que acaba, por ser enfermeira, se envolvendo com Jack; Anneke Blok como Lia, mãe do protagonista; Dan van Husen como o comandante nazista Auer; e Ad van Kempen como Schafter, o vizinho e “colaborador” nazista que simboliza o exemplo de “homem desprezível” para Michiel.

Para as pessoas mais atentas, o filme dá uma grande pista sobre o que acontecerá perto do final muito antes. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Quando os nazistas fazem uma emboscada para Michiel e Jack na tentativa da dupla em cruzar o rio pela balsa, o espectador se pegunta: “Mas quem poderia ter dedurado os dois? Quem sabia que eles iriam fazer este cruzamente naquele dia e horário?”. Naquele momento, cheguei a duvidar de Erika – ainda que, francamente, eu não percebesse o que lhe motivaria a tal ato. Talvez ela culpasse Jack pela morte de seu pai? De qualquer forma, este é o momento decisivo em que os mais atentos percebem que há algo de errado acontecendo – e que alguém está traindo a confiança de Michiel. Dificilmente seria Schafter porque, afinal, ele não sabia nada dos planos do garoto.

Oorlogswinter estrou em novembro de 2008 na Holanda. A partir de fevereiro deste ano ele entrou na feira de cinema européia e participou, em outubro, dos festivais de Roma e o Pusan. Até o momento, Oorlogswinter ganhou 11 prêmios e foi indicado ainda a outros cinco. Os de maior destaque foram entregues no Festival de Cinema Holandês este ano: melhor ator para Martijn Lakemeier, melhor ator coadjuvante para Raymond Thiry e melhor design de produção. A produção venceu na categoria de melhor filme em três premiações holandesas de menor porte: no Prêmio Rembrandt e no  Golden and Platin Film (que integram a programação do Festival de Cinema Holandês).

Falando em design de produção, é importante comentar que todo o filme, dos figurinos até os objetos escolhidos pela equipe da direção de arte, foi realizado com atenção aos detalhes. Da parte técnica, destaco a direção de fotografia de Guido van Gennep.

Oorlogswinter teria custado 4 milhões de euros para ser produzido. Apenas na Holanda, até abril de 2009, o filme tinha arrecadado pouco mais de 6,1 milhões de euros nas bilheterias. Mesmo sendo caro, para os padrões holandeses, o filme já conseguiu se pagar com a bilheteria apenas de seu próprio território.

Uma curiosidade sobre a produção: como fã do gênero “western spaghetti”, o diretor Martin Koolhoven fez questão de escalar o ator Dan van Husen para viver o papel do comandante nazista Auer. Foi uma forma do diretor homenagear ao ator, conhecido por participar de pouco mais de 20 produções de “western spaghetti”.

Em 2008, Oorlogswinter foi escolhido o melhor filme holandês do ano pela imprensa de seu país.

Os usuários do site IMDb deram a nota 7,3 para o filme. Até o momento, o Rotten Tomatoes não tem nenhuma crítica publicada sobre ele.

CONCLUSÃO: Baseado em um livro voltado para o público infanto-juvenil, este filme conta a aventura de um garoto de 13 anos para sobreviver à invasão alemão ao seu país, a Holanda. Protegido pelo pai, prefeito da cidade, ele tenta entender o comportamento das pessoas frente aos nazistas. Mais que uma história de guerra contada sob a ótica de uma criança, Oorlogswinter se revela um filme envolvente sobre a perda da inocência e a difícil missão de perceber quem são os “bandidos” ou os “vilões” em uma guerra. Contado de forma sensível, linear e com uma narrativa crescente – por isso, clássica -, este filme tem como um de seus principais trunfos o trabalho de seu protagonista. Envolvente e sensível – ainda que, especialmente no trecho inicial, carregado demais de lugares-comum -, sem dúvida este é um destes filmes que merece ser visto.

PALPITE PARA O OSCAR 2010: A verdade é que Oorlogswinter tem a cara do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro. Por várias razões. Primeiro que a Academia é chegada em premiar produções envolvendo crianças. Depois, porque o tema da 2ª Guerra Mundial está muito presente no cinema atual – especialmente naquele feito por países europeus. E em terceiro lugar, Oorlogswinter abriga elementos “edificantes” e uma moral da história que Hollywood aprecia. Francamente, acho que o filme tem grandes chances de se colocar entre os cinco finalistas ao prêmio e, cá entre nós, não seria uma total surpresa se ele ganhasse o prêmio. Claro que ele é muito menos complexo que outras produções que estão na disputa. No fundo, Oorlogswinter reconstrói velhas fórmulas e conceitos envolvendo crianças e a guerra. Ainda assim, ele é um filme que convence e emociona – algo que o Oscar adora.

Os policiais, ultimamente, não estão passando por seus melhores momentos no cinema. Depois dos filmes coreanos Chugyeogja e Madeo, recentemente comentados por aqui no blog, o dinamarquês Frygtelig Lykkelig conta uma história em que as autoridades responsáveis pela segurança dos cidadãos derrapam em suas funções. Mas desta vez, em lugar da incompetência vista nas outras produções, nos deparamos com o descontrole e com uma rede de situações que vão piorando os primeiros erros do protagonista. Indicado pela Dinamarca para representar o país na próxima disputa por um Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, Frygtelig Lykkelig é um policial cheio de sarcasmo ambientado em uma comunidade do interior, onde predomina a “lei” alternativa de seus habitantes.

A HISTÓRIA: A lenda sobre uma vaca que afundou na lama e desapareceu ilustra as características do vilarejo de Skarrild, situado no interior da Dinamarca, local onde o policial Robert Hansen (Jakob Cedergren) vai parar. Levado pelo chefe de polícia de Tonder (Jens Jorn Spottag), Robert é logo recepcionado pelo Dr. Zerleng (Lars Brygmann), médico forasteiro que se adaptou ao sistema dos habitantes do pequeno vilarejo e que tenta dar alguns “conselhos” para o seu novo morador. Pouco depois, Robert conhece a Ingerlise (Lene Maria Christensen), uma mulher casada que tenta se divorciar do marido, o violento e briguento Jorgen Buhl (Kim Bodnia). Sem perceber, Robert é envolvido em um triângulo amoroso e em uma situação de prestação de contas do vilarejo.

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso recomendo que só continue a ler quem já assistiu a Frygtelig Lykkelig): O conto ilustrativo que abre o filme do diretor Henrik Ruben Genz revela uma pequena parte de toda a ironia do texto original, a obra homônima de Erling Jepsen. Seu livro, Frygtelig Lykkelig, aparentemente teve menos êxito que o filme. Genz, ao lado de Dunja Gry Jensen, adaptou o livro para o cinema e conseguiram, com seu trabalho, um resultado irregular.

Na maior parte do tempo, Frygtelig Lykkelig é um filme intricado para o seu protagonista, com um texto que flutua sempre entre o terrível e o engraçado mas que, ainda assim, se revela bastante morno. Contada de forma linear, esta história explora as peculariedades de uma comunidade interiorana da mesma forma com que revela um conto moral. Nele, é defendida a idéia de que a prática de um erro e o encobrimento deste podem tornar a vida de uma pessoa cada vez mais complicada, de uma forma crescente como a de uma bola de neve que desliza por uma encosta.

O melhor da produção, sem dúvida, é a forma com que o roteiro explora as “manias” do vilarejo para onde Robert é transferido. Todas as pessoas que moram naquele local sabem de cor os códigos de conduta e jogam seus papéis com perfeição. A pessoa que passasse um dia em Skarrild já saberia que tipo de ocorrências ocorriam ali, quem poderia ser achado em que local e as razões que faziam a filha do casal Buhl, Dorthe (Mathilde Maack) levar um carrinho de bebê para passear em muitas noites. Mais do que em outras partes, em cidades pequenas como a explorada por esta história os hábitos repetidos cotidianamente são a regra local.

Depois do conto sobre a vaca e seu bezerro demoníaco, o espectador percebe que o policial esconde algum segredo importante em seu passado. Ele participou de algum evento trágico em Copenhagem, onde morava e trabalhava anteriormente. Esse segredo será usado contra ele no ambiente cercados de regras invisíveis do vilarejo. Bonito, jovem e “urbano”, Robert não se adapta ao local e, ao mesmo tempo em que tenta conviver com seu passado, ele deve entender como funciona a pequena cidade para a qual ele foi designado. Mas, pobre Robert, ele não tem muito tempo para pensar e agir racionalmente.

Não sei vocês, mas me irritou um pouco a “inocência” do protagonista. (SPOILER – não leia se você ainda não assistiu ao filme). Afinal, ele cai como um patinho nos jogos de Ingerlise e de outros moradores locais. Claro que o filme não tem espaço para nos contar como era Robert antes de sua aparição em cena. Não sabemos se ele era um bom policial ou um desastre em sua profissão. Segundo este texto (em dinamarquês, o qual eu traduzi no Google Tradutor para entender algo) sobre a obra original, escrita por Erling Jepsen, Robert era sim um desastre. Destes homens que não conseguem viver muito longe da barra da saia da mãe e que, ao ser exposto a situações de estresse em sua profissão, chegam a vomitar pelo nervosismo. Sendo assim, se justifica a falta de preparo para o que irá acontecer no vilarejo.

Como tantas outras histórias do gênero, a situação de Robert vai piorando continuamente, pouco a pouco. Os habitantes de Skarrild, aparentemente “liderados” pelo médico, pelo padre e pelo comerciante local, tentam ensinar-lhe seus métodos. Robert faz alguns esboços para resistir, para atuar dentro da lei, mas quando ele percebe, está totalmente envolvido na história de Ingerlise. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Para se proteger, lentamente Robert vai se adequando ao sistema de vida local e, como sugere a melhor sequência do filme, a que envolve uma partida de cartas no final, o policial acaba vendendo sua alma ao “diabo” (representado pelo trio de jogadores). A cena em que Robert percebe que ele não passou de uma engrenagem no jogo dos outros, que ele caiu como um patinho em seus planos, é o melhor de Frygtelig Lykkelig. Até chegarmos a este ponto, o espectador deve aceitar algumas sequências pouco críveis (como a da morte de Ingerlise) e a uma produção correta, mas nada excepcional.

A lição moral de Frygtelig Lykkelig também poderia ser menos evidente. Afinal, fica escancarada a idéia do filme de que uma pessoa, para não “vender sua alma ao diabo”, não deve nunca sucumbir ao primeiro ato de maldade. Quando Robert se deixa levar por seu primeiro erro e, sem conseguir encontrar uma saída “adequada” para ele, assume uma mentira após a outra, fica impossível encontrar alguma saída para o personagem. Pouco a pouco, revela esta história, uma pessoa que sucumbe ao mal vai aceitando os atos mais absurdos (e, muitas vezes, participa deles). A reflexão sobre este tema não deixa de ser interessante, mas no roteiro de Frygtelig Lykkelig ela se apresenta de forma maniqueísta. Na vida real, normalmente, as escolhas não levam a resultados tão matemáticos.

Ainda sobre a parte interessante do filme, não deixa de ter uma grande dose de verdade toda aquela ironia com o “modo de ser” do povo do lugarejo. Em cidades pequenas, nas quais “todos se conhecem”, a vida geralmente se restringe a alguma regras bem estabelecidas e seguidas por moradores que desempenham com perfeição os seus papéis no grupo. Sempre haverá espaço para o “encrenqueiro”, para o “louco”, para o “líder”, e assim por diante. Nestas relações, claro, haverá espaço para gestos de bondade, de auxílio aos demais, mas também para bizarrices e para resoluções “coletivas” dos problemas locais. O retrato de uma comunidade assim do interior da Dinamarca é o que Frygtelig Lykkelig tem de melhor para oferecer.

NOTA: 8,1.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: Logo no início, percebemos duas grandes qualidades deste filme: a sua direção de fotografia e trilha sonora. Elas funcionam em duo com perfeição durante toda a produção. Ajuda muito também, para o caso da primeira, a “beleza rural” das paisagens dinarmarquesas. O diretor de fotografia Jorgen Johansson imprime um tom azulado/acizentado durante toda a produção, o que ressalta o tom “obscuro” da história. A trilha sonora de Kaare Bjerko, presente em momentos muito pontuais, aposta em guitarras e em uma levada moderna.

O elenco de Frygtelig Lykkelig funciona bem. Além dos atores principais já citados, vale comentar o trabalho de Anders Hove como Kobmand Moos, o comerciante local que se diverte prendendo garotos que tentam furtar algo de seu estabelecimento; Henrik Lykkegaard como o padre que aparece pouco, mas que visivelmente contribui com o tom moralista do vilarejo; Bodil Jorgensen como a mulher do bar, onde as pessoas se encontram para “confabular” sobre a vida pública local (e onde ocorre o duelo etílico entre Robert e Jorgen); e Peter Hesse Overgaard como Helmuth, um dos líderes do grupo que sempre está no bar e que “suja as mãos” para resolver os conflitos do vilarejo.

Frygtelig Lykkelig estreou em julho de 2008 no Festival de Karlovy Vary. Daquele dia para cá, o filme participou ainda de pelo menos outros seis festivais. Nesta sua trajetória, ele acumulou 19 prêmios e outras 10 indicações. Entre os prêmios que levou para casa estão o de melhor filme, melhor ator para Jakob Cedergren, melhor atriz para Lene Maria Christensen, melhor ator coadjuvante para Kim Bodnia, melhor direção de fotografia e um prêmio especial para Kaare Bjerko no Prêmio Bodil, entregue em Copenhagem, na Dinamarca; melhor roteiro nos festivais internacionais de cinema de Tróia e de Valladolid; e os prêmios de melhor filme, melhor diretor, melhor ator, melhor atriz, melhor direção de fotografia, melhor roteiro e melhor música (para Riders of the Freeway, de Kira Skov) no Robert Festival, o “Oscar do cinema dinamarquês”.

Praticamente nada comentado pela crítica internacional – o site Rotten Tomatoes, por exemplo, não abriga nenhuma crítica para o filme – Frygtelig Lykkelig registra a nota 7 pela votação dos usuários do site IMDb.

Li em algum lugar na internet – infelizmente não lembro em que site – uma comparação entre este filme e Fargo, dos irmãos Coen. A comparação tem sentido. Frygtelig Lykkelig lembra um pouco ao excelente Fargo, especialmente pelo humor “macabro” (e/ou trágico) de sua história. Mas, para o meu gosto, ele fica muito abaixo da premiada produção dos Coen.

O cartaz de Frygtelig Lykkelig sugere que o filme caminha pelo terreno das produções de suspense e/ou terror. Ainda que tenha algum crime e um clima um pouco macabro, esta produção dinamarquesa não chega nem perto do segmento de terror. Não custa alertar aos fãs do gênero que podem se interessar pelo filme graças ao seu cartaz.

CONCLUSÃO: Um filme interessante sobre a tentativa de um policial em reconstruir a sua vida e que, ao se deparar com as regras muito peculiares de um pequeno vilarejo, se vê envolvido em uma intricada rede de interesses e disputas. Com uma direção de fotografia muito bonita e um roteiro que segura o interesse do espectador, o dinamarquês Frygtelig Lykkelig se mostra um entretenimento de qualidade. Mesclando em uma proporção de dois para um a ironia/sátira com crimes e um clima mórbido, este filme trata de traições, adultério e violência doméstica como panos de fundo para uma história sobre adaptação e comprometimento de um indivíduo em uma comunidade estranha e com seus próprios atos.

PALPITE PARA O OSCAR 2010: Principal premiado em dois dos festivais mais importantes da Dinamarca, Frygtelig Lykkelig se credenciou para representar o país na disputa por uma vaga na categoria de Melhor Filme Estrangeiro no Oscar 2010. Mesmo tendo recebido tantos prêmios, não vejo nesta produção a qualidade e a força necessárias para que ela esteja entre as finalistas da mais conhecida premiação norte-americana. Seria um milagre Frygtelig Lykkelig aparecer na lista dos cinco finalistas – especialmente pelo fato de que a imprensa internacional praticamente ignorou a sua existência. De qualquer forma, mesmo que ele chegue até esta cobiçada lista de indicados, não acredito que ele possa ganhar de Un Prophète ou Das Weisse Band.

Um filme bem diferente dos padrões usuais do cinema. E não apenas daquele produzido em Hollywood. De Ofrivilliga, o representante da Suécia na disputa por uma vaga no próximo Oscar, foge da obviedade do cinema médio ao apresentar uma série de histórias aparentemente desconexas. Mas, ultrapassada a barreira do visual, o espectador pode compreender a inteligência do trabalho do diretor e roteirista Ruben Östlund. Seu filme apresenta uma série de situações que refletem um bocado o comportamento de diferentes pessoas em nossa sociedade “pós-moderna”. Como a narrativa segue uma linha muito natural e propositalmente sem enquadramentos clássicos, a interpretação do que está ocorrendo fica totalmente nas mãos dos espectadores. Por esta e por várias outras razões, é o típico filme “de arte” (ou “cult”) que não deve agradar a muita gente.

A HISTÓRIA: Ao som de uma valsa, a lente da câmera vai acompanhando o trajeto de um veículo pelas ruas de uma moderna cidade da Suécia. Corta. O casal Lola (Lola Ewerlund) e Villmar (Villmar Björkman) recebem amigos em casa para celebrar o aniversário da anfitriã. Depois de um dia de celebrações, à noite, no grande momento da queima de alguns fogos no jardim, Villmar se fere ao se aproximar de uns fogos que não haviam explodido. Esta é a apenas uma das cinco histórias centrais do filme, que conta ainda a viagem de ônibus de uma conhecida atriz; o trabalho de uma professora do ensino primário e suas divergências com os colegas de trabalho; as travessuras perigosas de duas adolescentes e o reencontro de um grupo de amigos que resolve passar alguns dias apenas entre homens.

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso recomendo que só continue a ler quem já assistiu a De Ofrivilliga): Fiquei intrigada com este filme desde a sua sequência inicial. Me chamou a atenção o “contraponto” entre a valsa, uma manifestação artística originária do século 19 (aqui algumas informações a respeito da valsa), e as imagens noturnas de uma rua de uma cidade urbana qualquer dos nossos dias. Uma curiosa escolha de repertório e imagens. Mas esta seria apenas uma introdução para o que o diretor Ruben Östlund iria nos apresentar em seguida. Durante todo o filme, ele desconstrói conceitos e surpreende o espectador com sua abordagem de “desenquadramento” (falarei mais disto no final deste texto).

As imagens, parece nos dizer Östlund durante todo o filme, tem e ao mesmo tempo não tem importância alguma. Sua câmera está sempre fixa, em algum ponto decisivo para a narrativa – ainda que, como é costume no desenquadramento, muitas vezes a ação ocorra à margem do campo visual. Esse recurso não é novo – foi utilizado inúmeras vezes anteriormente, inclusive no recente 4 Luni, 3 Saptamâni si 2 Zile, do diretor Cristian Mungiu. Ainda assim, ele parece conseguir uma força ainda maior em De Ofrivilliga. Mas esta câmera estática, que muitas vezes deixa “escapar” a ação dos atores, provavelmente será um dos pontos difíceis de “engolir” pela maioria dos espectadores – afinal, estamos todos condicionados aos enquadramentos “usuais”, ou seja, no uso das câmeras para acompanhar sempre o melhor da ação.

Se o espectador conseguir vencer esta sua “resistência” a uma nova forma de narrar um filme, ele poderá, finalmente, se lançar nas histórias contadas pelo roteiro escrito por Östlund e por Erik Hemmendorff. Com um narrador “ausente” (ou “invisível”), De Ofrivilliga busca romper aquela interpretação “falsa” que toda pessoa parece assumir frente a uma câmera. Desta forma, o espectador parece “invadir” a intimidade das diferentes realidades mostradas pelo filme. Algumas vezes, esta invasão causa desconforto. Em outras, excitação. Desta forma, muito natural, Östlund vai conduzindo os espectadores por acontecimentos que fazem refletir sobre como as pessoas podem passar dos limites, de como um grupo deve sempre anular um indivíduo.

A primeira história, do casal Lola e Villmar, parece a menos “chocante” do filme. De fato, ela é a menos interessante. Ainda assim, guarda alguns aspectos curiosos – e que ajudam a reforçar a reflexão da força do “grupo” sobre o indivíduo proposta pelo diretor/roteirista. (SPOILER – não leia, a partir daqui, os próximos parágrafos se você não assistiu ao filme). Depois de um dia inteiro bebendo e confraternizando com amigos, Villmar passa dos limites e toma uma atitude totalmente “burra” ao tentar se aproximar dos fogos de artifício que não haviam explodido. Seu ato contínuo é ignorar os seus ferimentos para continuar com a festa. Afinal, o que importa é manter as aparências e ficar bem “socialmente”. Enquanto as mulheres parecem se preocupar com o anfitrião ferido, os convidados masculinos insistem em assumir a sua posição de “machos” e, assim, negar a vulnerabilidade de Villmar – e, por consequência, deles próprios.

Esta “diferença” entre homens e mulheres parece estar presente em várias histórias do filme. Para ser mais específica, na do grupo de amigos que resolve passar alguns dias juntos e na da professora que “enfrenta” o seu colega de trabalho. Mas logo falaremos destas histórias… O importante comentar é que esta “diferença” entre homens e mulheres ganha, no próprio De Ofrivilliga, um contraponto bastante curioso: o das personagens de Linnea (Linnea Cart-Lamy) e Sara (Sara Eriksson). As “barbies” adolescentes que parecem não ter limites assumem, em boa parte do filme, o papel que seria, normalmente, de rapazes de suas idades. O que pode levar a uma reflexão interessante sobre a busca de parte das mulheres por interpretar o rol dos homens na nossa sociedade “pós-moderna”.

Mas voltando aos “causos” do filme. Depois de Lola e Villmar, o espectador é apresentado a personagem de Maria (a veterana Maria Lundqvist), uma conhecida atriz que tem o “azar” de se encontrar com uma fã de seu trabalho durante uma viagem de ônibus para casa. No veículo, aliás, somos apresentados a três núcleos de personagens. Além de Maria e seu casal de fãs, o roteiro explora o “fundão” do ônibus, ocupado por um grupo de adolescentes “encrenqueiro” e, na posição oposta, na frente do veículo, ao motorista e sócio da empresa de transporte que passou recentemente por uma situação difícil após ser abandonado pela esposa. O “fundão” e a frente do ônibus acabam se enfrentando e Maria, a mulher que parece estar interpretando um papel durante todo o tempo, não tem a coragem de assumir as suas próprias responsabilidades.

Curioso o que ocorre naquele ônibus. Existe, como em praticamente todos os locais de nossa sociedade – e em diferentes histórias narradas pelo filme – um conflito entre diferentes comportamentos. Os adolescentes que ocupam o fundão do veículo tem um comportamento considerado inadequado pelos demais. Eles incomodam os passageiros adultos que, por sua vez – como no metrô, em uma sequência estrelada pelas amigas Linnea e Sara -, não se sentem confortáveis em revidar e invadir o “espaço” dos arruaceiros. Essa noção de espaço, aliás, tem peso de ouro em algumas sociedades – especialmente nas consideradas “mais desenvolvidas”. Em países como a Alemanha ou a Suécia o contato físico é restrito e o espaço de cada indivíduo, extremamente respeitado.

E a repetição deste conflito de comportamentos leva a uma estigmatização. Através dela, o motorista do ônibus, injustamente, acusa e “condena” os jovens do fundão. Eles, por sua vez, não cedem à chantagem do motorista. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Maria, a responsável pelo “ato de vandalismo” do banheiro – na verdade, um acidente – tem uma reputação a preservar. Como muitos artistas, ela veste as roupas e os trejeitos de um personagem que criou e, deste disfarce, ela não pode abrir mão. Ainda assim, fiquei chocada com a “resolução” do impasse. Infelizmente o menino que assume a culpa aprende, muito jovem, a mentir sob pressão para conseguir resolver um problema. Que lição ele terá deste evento?

Outra história explorada por De Ofrivilliga é a das amigas Linnea e Sara. Francamente, as melhores do filme. Adolescentes sem noção de perigo ou de limites, as duas “barbies” aparecem, primeiro, tirando fotos ousadas no computador. Provavelmente aquelas imagens iriam rodar o mundo, sugerindo cenas de lesbianismo – que, é quase certo, cairiam nas mãos de tarados de várias nacionalidades. Mas e quem se importa? Linnea e Sara certamente não. As meninas, junto com outros amigos e amigas, aproveitaram a ausência da mãe de Linnea para beberem muito além da medida. Primeiro em casa, depois no metrô e nas ruas.

Linnea e Sara são provocadoras e refletem o comportamento de muitos jovens nos dias atuais – de muitos mas, para nossa sorte, não de todos. A sequência no metrô, especialmente, me chamou muito a atenção. Ali, mais que em outras cenas, a dupla “dinâmica” assume o rol de rapazes de suas idades. Eu já vi garotos fazendo o mesmo que elas: bebendo álcool em garrafas improvisadas no metrô, falando alto, tentando aparecer e, se possível, provocando diretamente a algumas pessoas. Necessidade de protagonismo, certamente – efeitos, talvez, de uma sociedade onde a busca por “ser famoso” substitui a outros valores? Mas no lugar de rapazes, De Ofrivilliga nos oferece duas garotas. Interessante. Como na maioria das histórias do filme, elas ultrapassam o limite do razoável e, em certo momento, o espectador acredita que o pior está prestes a acontecer. Suspense em meio ao drama.

A quarta história explorada por Östlund é protagonizada pela professora Cecilia (a ótima Cecilia Milocco). Quando ela aparece em cena, sua turma está passando por um experimento emblemático – inclusive para se entender ao filme. (SPOILER – não leia… bem, você já sabe). Através do exemplo da aluna que identifica a resposta correta mas que, sob a pressão da turma, orientada a sempre discordar dela, muda suas respostas escolhendo a opção errada, temos a resposta para o “enigma” desta produção. Um grupo, sempre, anula a capacidade de escolha do indivíduo – e, muitas vezes, o leva a fazer a escolha errada, mesmo quando ele sabe que poderia escolher o certo. A ironia do filme é que Cecilia acaba, em sua própria vida, tendo que sofrer as consequências de quem decide seguir a razão e fazer as escolhas certas, mesmo quando o grupo – neste caso, os outros professores – apontam para a direção contrária. Ela é, assim, uma das poucas que tem a coragem de trilhar o difícil – e muitas vezes solitário – caminho de se manter “limpa”.

O caso da professora também nos leva a refletir sobre a forma com que um grupo protege um de seus integrantes mesmo quando ele toma uma atitude errada. Neste caso, o problema reside no abuso do professor de artes Ulf contra o “aluno-problema” Axel. Como ocorre “no mundo real”, seus colegas usam argumentos para desqualificar a mãe da vítima e, assim, “justificar” o comportamento do professor. Revoltante – e, ao mesmo tempo, infelizmente, muito comum.

Finalizando as histórias apresentadas pelo filme, temos a do grupo de amigos liderado por Leif (Leif Edlund). Ainda vestindo roupas de trabalho, o grupo se encontra para passar alguns dias juntos, em um clássico “retiro de machos”. Nesta “recreação de adultos” um ingrediente fundamental é o excesso de bebidas. Permanentemente “embriados”, os amigos exageram nas brincadeiras e passam dos limites, em algumas situações, normalmente jogando com a questão sexual. Desejos reprimidos e homossexualidade são parte dos ingredientes deste conto.

Como em praticamente todos os grupos – especialmente o de homens -, há uma “estrela”. E ela, neste caso, se chama Leif. Ele é o personagem que provoca e que recebe todas as “avacalhações”. Visualmente, Leif se sente bem jogando este rol no grupo. O problema é que ele passa dos limites e abusa de um amigo, Olle (Olle Liljas) que, chocado, não sabe muito bem como reagir ao que aconteceu. As pessoas mudam com o tempo e, consequentemente, algumas amizades – e limites – também. Mas isso não parece ser passível de compreensão, especialmente para as pessoas que parecem não ter limites e que se sentem “invencíveis” dentro de um grupo.

NOTA: 9,2.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: De Ofrivilliga é destes filmes que vai fazendo efeito com o tempo, depois que os créditos terminam de passar frente aos nossos olhos. Inicialmente, eu não sabia muito bem o que pensar a respeito desta produção. Mas, pouco a pouco, fui refletindo sobre aquelas histórias magistralmente narradas por Ruben Östlund e seus atores. E então elas foram fazendo sentido e ganhando novos contornos. Admiro cineastas que conseguem isso, provocar o espectador a ponto dele levar a sua obra para além do tempo que dura o filme.

Que ninguém se engane com este filme: ele não tem começo e nem fim, apenas “meio”. Em outras palavras, não somos apresentados ao contexto da vida de nenhum dos vários personagens mostrados por De Ofrivilliga. Apenas acompanhamos determinados capítulos de suas vidas e, como na realidade mesma, podemos utilizar estes episódios para aprender algo (ou não, como diria o Caetano).

No início, é um pouco difícil se acostumar com a técnica do desenquadramento utilizada por Ruben Östlund. Mas depois, quando o espectador deixa de esperar que lhe sejam mostrados sempre os “melhores ângulos” do que está acontecendo, outro efeito passa a figurar nesta experiência: o do uso da imaginação. Afinal, o que acontece no espaço em que a câmera não está filmando? Cada um terá que tirar as suas próprias conclusões – o que não deixa de ser um exercício provocativo e muito interessante.

Falando em desenquadramento, vou explicar um pouco melhor do que se trata este conceito. Segundo o livro Dicionário Teórico e Crítica de Cinema, de Jacques Aumont e Michel Marie, o desenquadramento é um efeito que parece “resultar de um movimento de excentramento, rejeitando para as bordas alguns dos elementos diegéticos principais”. Esse recurso teria sido “muito produzido em pintura, depois do choque da descoberta da arte da estampa japonesa”. Aumont e Marie revelam ainda que o desenquadramento, no cinema, se apresenta como “um aspecto de uma tensão mais fundamental entre a tendência à centralização, que resulta da assimilação do enquadramento a um olhar, e a tendência para salientar as bordas do quadro, que é marcada, em alguns cineastas, no mais das vezes, a partir de uma sensibilidade pictórica”. Em outra parte do livro, os autores comentam que “existem estilos fundados na recusa da centralização, em uma descentralização ativa e voluntária ou, de modo mais radical, um desenquadramento” – que é o que reflete De Ofrivilliga.

Reproduzo aqui a sinopse curiosa do material de divulgação do filme: “A influência do grupo sobre o indivíduo. O indivíduo que pensa muito sobre a sua própria imagem. O idiota que faz piadas sujas para divertir a sua galera, duas meninas que gostam de jogar, a professora zelosa que exagera com os seus colegas… justamente na hora em que decisões limites são tomadas. Um painel da sociedade sueca como você nunca poderia esperar”. E eu acrescento que o que vemos em De Ofrivilliga não reflete apenas a sociedade sueca, mas muitas outras.

No mesmo material de divulgação, há uma interessante entrevista com o diretor e roteirista Ruben Östlund. Ele comenta, por exemplo, sobre a origem da história desta produção. “No meu primeiro longa-metragem, Gitarrmongot, eu estava interessado no tema do indivíduo que está procurando o seu lugar na sociedade. Dos personagens que agem sem levar em conta o que o grupo ao seu redor vai pensar deles. No mesmo momento, eu me vi como testemunha de situações completamente opostas: o caso de pessoas que estavam desesperadas para evitar perder o seus espaços para outros. Gitarrmongot fala de sujeitos que não se importam com o que as pessoas pensam deles. De Ofrivilliga trata daqueles que são a fonte das atenções, que estão aterrorizados com a idéia de perder sua face”.

O diretor ainda cita como exemplo um caso que ficou conhecido em seu país: “Na Suécia, todos conhecem a história do engenheiro Andrea, que tentou chegar ao Pólo Norte em um balão, uma tentativa que terminou com a morte de sua tripulação. Lendo um jornal, uma reportagem revelou que ele não acreditava na viabilidade de seu projeto. Ele estava convencido a deixar esta idéia, mas este evento se tornou tão grande – quase toda a Suécia estava participando de uma forma ou de outra – que ele não podia voltar atrás. A aventura lhe levou ao desastre. Estou convencido de que os seres humanos são animais gregários. A influência do grupo sobre os indivíduos é muito forte, fundamental”.

Como eu comentei na minha crítica, o diretor também considera que a sequência da estudante que deve apontar as linhas mais longas em uma experiência de sua professora resume, na verdade, toda a idéia do filme. “Ela sintetiza a idéia de que o grupo tem um poder irresistível sobre o indivíduo, forçado a se adaptar para se integrar”, comenta Östlund. E uma curiosidade sobre esta cena: a idéia original da sequência foi inspirada na mãe do diretor/roteirista que, como professora, havia feito um experimento similar com seus alunos. No caso do filme, a garota que aparece em cena não sabia como deveria agir a respeito de suas indicações. Não estava estabelecido no roteiro que ela deveria mudar de opinião na terceira tentativa de acertar a resposta. Ainda assim, comenta Östlund, seis das 10 estudantes que participaram das filmagens-experimentos mudaram de opinião na terceira sequência de perguntas da professora.

Sobre o título do filme, “involuntário”, o diretor comenta que “estar sob a influência de um grupo pode nos privar do nosso livre-arbítrio, mas não podemos entregar para a maioria a nossa responsabilidade individual? Em cada história (do filme, ele se refere), os personagens sentem que não tem escolha, algo que é falso: eles simplesmente não aproveitam as oportunidades que lhes são dadas. No melhor dos mundos, uma pessoa não deixaria de aproveitar a oportunidade de agir da melhor forma possível. Mas na realidade, isto é outra história… Estou ciente de que na maioria dos casos as pessoas dirão que sua reação a um fato terá sido “involuntária”, mas este é um fenômeno que se repete incansavelmente”.

Depois de comentar sobre o caso da cortina danificada do ônibus, o diretor opina que está cada vez mais difícil as pessoas reconhecerem suas falhas porque, em muitos casos, elas terão que admitir que mentiram. “Isso é (provocado) menos pela influência do grupo sobre o indivíduo, mas o próprio indivíduo, em sua relação com o grupo, que se sente obrigado a agir de determinada maneira”. Östlund comenta, ainda, que dentro da lógica de um grupo, onde existem “vítimas” e “culpados” em um jogo muito pré-determinado, todos os atos dos indivíduos acabam sendo “involuntários”.

Ruben Östlund também confirma, no material de divulgação, que sofreu a influência de diretores como Michael Haneke, Ulrich Seidl e Roy Anderson. “Eu estava muito influenciado por seus filmes. Como espectador, quando tomo consciência que estou participando de um “roteiro” (uma narrativa linear, imagino, na qual o diretor “conduz” o seu público pelas mãos), eu começo a me aborrecer. Se o público permanece focado em situações de seu cotidiano muito familiares como aquelas do meu filme, ele se sente desorientado, não percebe o enredo, não sabe muito bem aonde está. Quando você está confuso, tenta ver se está entendendo o que acontece, há mais concentração. (…) Como espectador, gosto de me sentir ativo, de que o diretor me deixe fazer parte de seu trabalho. Como cineasta, este engajamento é o que eu quero propor para o público. Este era um slogan durante as filmagens: fazer o espectador se tornar ativo. Encontrar uma linguagem visual que cresce continuamente ao perguntar “onde estou?”, “quem é este?”, “o que está acontecendo?”. Eu gosto do estilo voyeurista (…)”.

Aliás, esta é uma característica interessante do filme De Ofrivilliga. Quando ele termina, o espectador fica com um gostinho de “quero mais”. A mesma sensação despertada pelos “reality shows” que exploram ao máximo o nosso desejo de “invadir a vida alheia”, de “espiar” o que acontece no ambiente privado dos demais. Ou, como bem definiu o diretor, este estilo “voyeurista” de seu filme.

O limite entre ficção e realidade permeia toda a produção. Inclusive em detalhes, como o fato de que todos os atores interpretam personagens que tem o seu próprio nome e a ironia sobre a personagem da atriz Maria Lundqvist. Conhecida por participar de quase 30 produções para o cinema e para a televisão, Maria também é mãe de quatro filhos, assim como a sua personagem em De Ofrivilliga.

De Ofrivilliga foi escrito e dirigido por Ruben Östlund que, ainda, acumula a função de editor desta produção. O impecável trabalho da direção de fotografia é assinado por Marius Dybwad Brandrud (eita nominho complicado!).

O segundo drama dirigido por Östlund estreou, em maio de 2008, no Festival de Cannes. De lá para cá, De Ofrivilliga participou de vários outros festivais. Nesta sua trajetória, ele ganhou nove prêmios e foi indicado ainda a outros seis. Entre os que levou para casa estão o de melhor diretor no Geneva Cinéma Tout Ecran; o prêmio especial do júri do Festival de Cinema de Mar del Plata; o FIPRESCI do Festival de Cinema de Miami; uma menção especial no Festival de Cinema de Milão; e os prêmios da audiência e o de melhor roteiro do Festival de Cinema de Estocolmo.

Os usuários do site IMDb deram a 7,2 para o filme – achei um pouco baixa demais, mas algo previsível, especialmente pelo tipo de filme do qual estamos falando.

O diretor Ruben Östlund nasceu na Suécia em 1974. Amante das pistas de esquis antes de ser um apaixonado pelo cinema, Östlund teria se inspirado no tipo de filmes feitos sobre este esporte. Desta forma, lhe interessa as filmagens de longa duração, nas quais seria “impossível” dissimular qualquer ação. Seu primeiro longa-metragem de drama – antes ele havia dirigido a dois documentários -, o filme Gitarrmongot, ganhou o prêmio FIPRESCI no Festival Internacional de Cinema de Moscou, em 2005.

CONCLUSÃO: Um filme inteligente e nada óbvio. Difícil de cair no gosto de muita gente. Mas para os que ousarem assistir a um filme que quebra o nosso costume por sermos levados “pelas mãos” dos diretores – e seus enquadramentos ágeis -, De Ofrivilliga pode surpreender por seus conceitos e por seu conteúdo crítico sobre a influência dos grupos sobre os indivíduos. Com uma câmera colocada sempre na posição de um “observador” displicente (ou seria ausente?), este filme resgata o nosso gosto pelo voyeurismo na mesma medida em que “incomoda” por não nos mostrar todos os detalhes da ação – deixando, assim, muito a cargo da imaginação do espectador. De forma muito natural e com planos longos de enquadramentos estáticos, De Ofrivilliga explora cinco histórias em que ocorrem diferentes formas de “ultrapassar os limites”. Uma produção curiosa, instigante e que passa a ter mais sentido depois que aparecem os seus créditos finais.

PALPITE PARA O OSCAR 2010: Ainda que De Ofrivilliga merecesse estar entre os cinco finalistas ao prêmio de Melhor Filme Estrangeiro do próximo Oscar, infelizmente eu acho muito difícil este filme sueco chegar tão longe. Primeiro, porque ele não é destas produções que devem cair fácil no gosto popular. Muito pelo contrário. Consequentemente, De Ofrivilliga não foi feito para o Oscar, onde predominam os filmes que tem forte apelo comercial. Uma pena, porque pela proposta artística de Ruben Östlund ele merecia chegar entre os finalistas. Ganhar, claro, é algo impossível. Filmes como Un Prophète ou Das Weisse Band tem muito mais força que De Ofrivilliga. O que apenas comprova que, nem sempre, os melhores ganham mais espaço ou prêmios. (Dito isso, quero comentar que ainda acho Un Prophète, até o momento, o melhor filme entre os indicados).